Como malagueño y seguidor de esta banda desde sus inicios, me llena de orgullo y satisfacción poder sentarme frente al reproductor e insertar este DVD que resume la trayectoria de este trío de power-pop guitarrero desde su formación allá por 1998. Es un documento audiovisual que no puede faltar en la estantería de cualquier seguidor de Airbag, ya que se incluyen multitud de anécdotas, además de entrevistas a aquellos que siempre han estado muy cerca del grupo (Pedro Temboury, Juan de Pablos, Novi, Javi PPM, etc.) y ahora han querido contar sus experiencias.

El contenido se puede dividir en tres partes, que están claramente diferenciadas desde el menú. Por un lado tenemos un documental de algo más de una hora de duración, que es el grueso de este artefacto. En él, nos encontramos a los tres protagonistas de esta bonita historia contándonos cómo ha sido todo el proceso, desde sus primeros conciertos en Málaga (donde, por desgracia, nunca gozaron del apoyo que sí encontraron en Madrid), hasta llenar salas tan prestigiosas como Heineken o El Sol. Precisamente por eso han tenido a bien incluir el concierto íntegro de la sala antes conocida como Arena, que vendría a constituir el segundo bloque del DVD. Por último, a modo de extra, nos encontramos con el concierto de Los Nikis, que fueron los teloneros de los esteponeros en la presentación en la capital de “Manual de Montaña Rusa” (2011).

httpv://vimeo.com/61803563

Adolfo, Pepillo y José Andrés se muestran tal y como son, sin adornos ni fanfarronería. No tienen ningún reparo a la hora de recordar sus tiempos acelerados de juventud, aquellos años locos en los que fueron fieles a una filosofía que quedó muy bien plasmada en “Mondo Cretino” (2000), y más tarde alcanzó la perfección en discos como “¿Quién mató a Airbag?” (2005) o “Alto Disco” (2008). A pesar de ello, es evidente que en estos 15 años ha habido una evolución en lo musical, los Airbag de ahora no son aquellos devotos del punk-rock californiano, pero creo que de lo contrario no habrían podido mantenerse y llegar a donde han llegado.

Tras visualizar el documental, me resulta especialmente curioso el análisis que hacen de cada disco, desde su concepción hasta el momento de parirlo y defenderlo en directo. Y no deja de llamarme la atención el hecho de que un trabajo como “Ensamble Cohetes” (2003), que para muchos fue (y sigue siendo) “el disco de Airbag”, fue un auténtico quebradero de cabeza para el grupo, marcó un punto de inflexión que no parecen recordar con especial cariño. La experiencia de abandonar un sello pequeño como Wild Punk para convertirse en la primera apuesta de El Ejército Rojo-BMG, que se antojaba como algo idílico, acabó siendo un destrozo del que tuvo que pasar un tiempo para poder recuperarse.

Y no cabe duda de que salieron fortalecidos de aquello, no hay más que ver la buena acogida que han tenido las publicaciones que han visto la luz tras su vuelta al sello granadino. Se podría decir que la ola perfecta ya la encontraron hace tiempo, ahora lo que están haciendo es mantenerse surfeándola todo lo posible, y eso se traduce en que no les falten conciertos y siempre tengan nuevo material para grabar y hacernos disfrutar a todos con su energía adolescente.

Los hermanos golpean de nuevo, los Bardem siguen sumando puntos para ser nuevas estrellas del rock. Conocedores de lo mejor y lo peor del cine, con “Alacrán enamorado” han exportado el concepto hollywodiense a lo que nosotros llamamos industria audiovisual y se han marcado un producto entretenido y de calidad.

En este caso, el mayor de los Bardem‘s brothers recibió la propuesta por parte de Álvaro Longoria de adaptar al cine la novela escrita por él en 2009. La historia de un neonazi que combate los miedos que le superan en la realidad dentro del ring. El boxeo como canalizador del odio es el recurso utilizado por Santiago A. Zannou para dirigir su segundo largometraje de ficción, tras éxito de “El truco del manco”. En este caso, la experiencia personal del director y el acierto de la novela de Carlos Bardem han encajado a la perfección para crear una historia para aquellos a los que los árboles no le dejen ver el bosque.

www.youtube.com/watch?v=fv1Qq2TX6mE

Reconociendo que el título puede parecer poco sugerente y recordar a la telenovela rancia, “Alacrán enamorado” sorprende al espectador con su acertado ritmo sin artificios y un elenco de actores que se mantiene en plena forma. Quizás las adornadas escenas a cámara lenta pueden llegar a cansar y romper con esa atmósfera a medio camino del cine comercial y el indie. Un guión eficaz, sin sutilezas, rápido como el mismo alacrán, no deja respira al espectador hasta quizás el momento en el que el personaje empieza a redimir sus pecados y se introduce una historia de amor metida con calzador. Pero aun así, llegado el momento y habiendo superado las expectativas iniciales, es demasiado tarde para no dejarse llevar e introducirse en una historia clásica de evolución moral.

Sin sorpresas finales, hay que resaltar el alto nivel de producción, dirección y actuación. En especial, Carlos Bardem realiza la que podría ser la mejor interpretación de su carrera cinematográfica, dando vida a un ex-boxeador acabado, que recuerda al mejor Mickey Rourke de la historia en “The Wrestler”, un luchador nato que, conocedor de su don, se niega a abandonar la corona de un trono ya perdido. Carlomonte es un personaje icónico, de los que gustan con los años. Grande, muy grande. Álex González también se parte el lomo, currándose el cuerpo y la actuación, no creo que le falten oportunidades en los próximos años. Por otro lado, Miguel Ángel Silvestre se quita la careta del Duque de manera definitiva, y Javier Bardem se marca un papel breve pero intenso, una perlita para el lucimiento al que nos tiene acostumbrado. Un elenco del spanish star-system, que recuerda a “American History X”, una obra que huele a “bisness” pero que puede gustar a propios y extraños. Una batalla contra los prejuicios raciales y cinematográficos.

Santiago A. Zannou exorciza sus miedos y da un empujón moral al espectador, llamando a la conciencia colectiva con arte y oficio.

Hay quien tilda las últimas películas de Tarantino de cine reciclado, de coger recortes de películas y hacer la suya propia, de un refrito. A mí me parecen un amoroso homenaje al cine, a las películas que le han hecho crecer a él y con las que nosotros hemos crecido. Cuando veo “Kill Bill” veo aquellas películas de peleas o “de chinos”, como las llamábamos en los años mozos, ésas en las que nos quedábamos mirando asombrados de pequeños y cuando terminaban nos zurrábamos emocionados mi hermano y yo intentando imitar a los protagonistas de la película. Cuando vi “Malditos Bastardos“ recordaba la ambientación grisácea de esos filmes de presos que se escapaban de campos de concentración. Veía esos comandos que hacían para lograr su propósito como en “Doce del patíbulo“ e incluso en “Evasión o Victoria“, veía a Steve McQueen en su Triumph TR6. Y no tenía ni puta idea de lo que era el blaxploitation hasta que no vi “Jackie Brown“

Y cuando vi “Django desencadenado” me acordé de esas tardes en las que me quedaba en casa y veía como mi padre veía películas del Oeste (así las he llamado siempre, me avergonzaría decir western refiriéndome a esas películas delante de mi padre). Y mi padre las ve todas, si es antigua la ve. Y por eso he visto a un tipo que iba a morir ahorcado y de pronto Clint Eastwood corta la soga de un disparo. He visto a francotiradores caer rodando por los tejados de un saloon, a gente que recorría Estados Unidos en un carromato y que comía una lata de frijoles calentada en una hoguera en medio del desierto o a un tipo que arrastraba un ataúd del que sacaba una metralleta y reventaba a un puñado de gente en medio de una calle de esos pueblos de madera. Seguro que a mi padre le encantará ver “Django desencadenado” por todo lo que tiene de reconstrucción y de amor hacia esas películas, no un simple collage. Y eso que a él le cuesta ver películas del Oeste modernas, no traga a Wyatt Earp ni a Maverick, pero lo gozó con los Christian Bale y Russell Crowe de “El tren de las 3:10“. A lo mejor también le choca ver disparar a dos manos arrastrándose por el suelo entre charcos y fuentes de sangre con música rap, pero seguro que le agrada bastante este homenaje.

www.youtube.com/watch?v=CLofzNkIqAc

La reinterpretación del clásico de Sergio Corbucci de 1966 es evidente: el nombre de la película, los dos protagonistas quieren rescatar a su mujer, la canción principal compuesta por Luis Bacalov e incluso Tarantino invitó a Franco Nero al reparto (curioso cameo como corredor de apuestas italiano en peleas de negros). Pero va más allá con una historia donde el racismo es muy evidente, algo que se escondía mucho en el género (con grandes excepciones como “Mandingo“), con la ridiculización de los racistas (hilarante la escena del Ku Klux Klan con Don Johnson) y cuestionando moralmente a los cazarrecompensas.

Tarantino no quiere revitalizar, modernizar ni hacer un reboot de un género, sino homenajear a todos los que lo han hecho ser quién es. Y si alguien quiere algo original y que nadie ha hecho antes, pues señores, ahí el bueno de Quentin ya dio lecciones con “Reservoir Dogs” y “Pulp Fiction“, un manual de instrucciones sobre la originalidad. Y parece que ya nadie se acuerda que ha sido la punta de lanza de una generación de directores que nos están haciendo gozar en un género tan trillado como el de la acción o que ha sido un genio en la selección de canciones para bandas sonoras, en las que cada película es una sorpresa sobre qué contará con su música. Y no he comentado ni siquiera los impresionantes trabajos interpretativos de Christoph Waltz, Jamie Foxx o Samuel L. Jackson o analizado alguna de las escenas con tal de destripar lo menos posible a aquél que no haya visto todavía la película. Mientras unos disfrutan con todo eso, otros solo ven trabajos de patchwork. Bueno, allá cada uno con su mecanismo.

España no es la única nación aficionada a recordar su historia más negra en la ficción cinematográfica. Todos los países poseen capítulos oscuros en su historia y de vez en cuando los cineastas los sacan a relucir. En esta película es Noruega la que rescata cierto pasado oscuro que ha arreglado brillantemente. Vamos con un recurso muy fílmico, el de explicar unos hechos en el presente que entroncan con un tiempo más lejano. La isla de Bastøy, a 75 kilómetros al sur de la capital noruega es hoy día una prisión de mínima seguridad y de las más ejemplares del mundo, donde los presos cultivan la comida que les abastece y procuran el mantenimiento de la misma y pueden disfrutar de esparcimiento y actividades, como esquí de fondo o hípica. Incluso aparece en los extras del DVD de “Sicko“, el documental sobre la industria sanitaria de Estados Unidos dirigido por Michael Moore.

Pero no siempre esta prisión fue así de modélica, a principios del siglo XX fue un correccional para menores que reformaba a los chavales mediante el trabajo, la disciplina y el frío nórdico. Pero claro, pasa a menudo que quienes pueden utilizar su autoridad a veces la van a utilizar desproporcionadamente y van a empezar a llover palos y donde había disciplina habrá humillación y vejaciones. Los oprimidos entonces se hartarán y recurrirán a la violencia. Es una historia muy vieja y que volvió a repetirse en esa isla en 1915.

www.youtube.com/watch?v=OlgH7vANEDk

Marius Holst fue un tanto profético al retratar la sociedad opresora –recordemos que la película es del 2010 y llega con 2 años de retraso a las carteleras españolas–, y el que no vea paralelismos entre un grupo de chicos que se rebelan contra las autoridades utilizando todas las armas a su disposición y los sucesos de la primavera árabe –en especial el linchamiento a Gadafi y el del prefecto del reformatorio, si hasta se parecen en las imágenes–, puede ser tomado por un ingenuo. Una hornada de películas nos está mostrando que estar en contra del orden establecido y rebelarse no puede acabar bien, cómo se ve en la última película de Batman, que nos quiere mostrar que el dar el poder al pueblo puede no ser la mejor elección y ensalzan la labor de las fuerzas públicas como los buenos y los ciudadanos de parte del villano que quiere desajustar Wall Street entre otras maldades. Pero otras enseñan que la unión hace la fuerza aunque estemos en inferioridad de condiciones.

Si vemos la película en este sentido podemos encontrarle algo de interés, porque sino, lo único que encontraremos es una anodina película carcelera de las que hay cien películas mejores –dos así a bote pronto: “Bronson” y “Shutter Island“–, con los abusos de poder, los carceleros golpeando a los presos, celdas de aislamiento y abusos sexuales habituales de este tipo de películas. Vale que la fotografía es impecable, en eso las panorámicas de la naturaleza noruega hacen el trabajo casi solo y sería de esos filmes en los que mi madre exclama: “Sí, pero los paisajes eran muy bonitos”. Pero más allá de eso no tiene nada, es una cáscara muy bonita sin nada dentro. Sólo te gustará si eres un adicto a las “basadas en hechos reales” o si tus películas favoritas son “Sleepers” y “Celda 211“.

Un equipo SWAT debe irrumpir en un solitario bloque de edificios en Jakarta. Es la base de un peligroso señor del crimen y sus secuaces. Todo el plan de ataque está perfectamente planificado y la veintena de policías comienzan a ocupar el lugar planta por planta. Lo que ellos desconocen es que están siendo observados por el criminal y que, cuando da la orden, se desencadena el infierno…

Nos encontramos ante una nueva y espectacular producción de acción y artes marciales. Desde el “Ong Bak” de Tony Jaa no nos encontrábamos con algo tan novedoso, pero lo que en las pelis de Jaa se fue tornando barroco y artificial, en ésta contemplamos estupefactos una forma de dirigir directa, clara, moviendo la cámara pero permitiendo ver en todo momento las escenas de peleas. Y qué peleas… Iko Iwais, el protagonista, es un policía novato pero que esconde en su interior una auténtica máquina de matar. Y es que en su estilo de lucha, el Silat, cabe todo y cualquier objeto es utilizable como un arma letal: desde el mobiliario de una habitación pasando por el marco de una puerta. Sí, amigos, en esta producción tailandesa los golpes traspasan la pantalla y duelen mucho. Desde las películas de Jackie Chan no había visto figurantes tan entregados, ya que las bofetadas vuelan.

www.youtube.com/watch?v=My02wp9fsho

¿Pero, qué hace que esta cinta haya sido la más nombrada y esperada desde que se vieron sus primeras imágenes? Cintas de acción hay muchas, pero lo que la diferencia de otras es que tanto el planteamiento de la trama (ese infierno trasladado a un sórdido edificio) como un giro final de lo más interesante (y que da material para una secuela, ya prevista por Evans) la convierten en un producto redondo, un clásico del género.

Lo que en la anterior película del director, “Merantau”, ya se abocetaba, en ésta se ha perfeccionado y destacaría dos piezas de acción, maravillosos momentos en los que el tiempo se detiene y podemos disfrutar del enfrentamiento del entregado oficial Jaka (Joe Taslim) y el letal Mad Dog (Yayan Ruhian, que compartió con Iwais la impresionante escena de la pelea en el ascensor, interpretando a Eric, en “Merantau”) pero, sobre todo, enmarcaría la lucha a tres bandas entre el protagonista y los dos lugartenientes del villano. Sobresaliente.

No sé si esta película se va a estrenar en las pantallas españolas (ojalá) pero confío en que la pequeña apertura que se está dando en los últimos tiempos y que nos ha permitido ver en las salas maravillas como “The yellow sea” haga que podamos disfrutar de este peliculón en pantalla grande. Si es así, habrá que llevar mercromina al cine, no sea que alguna bofetada nos alcance…

Christopher Nolan fue contratado por Warner / DC Comics para rehacer la imagen de Batman tras el descalabro de Joel Schumacher y sus “Batman Forever” y “Batman y Robin”. También ya de camino, intentando remontar la goleada que Marvel Comics les estaba endosando en el campo de las películas de superhéroes. Y lo ha logrado con esta trilogía que todos recordaran como el Batman más fiel a las viñetas. Sí, es verdad que es muy enrevesado, monumental y demasiado épico. Pero claro estamos hablando de Nolan, el director de “Memento” y “Origen” no esperarían minimalismo y racionalismo, ¿no?

El tipo se encarga de todo, con su dirección pero sobre todo con el guión, en el que unos malos muy malos toman el control de una ciudad derrocando grandes empresas, entrando en el equivalente a Wall Street de Gotham para saquearlo, aunque allí no haya dinero (muy grande la frase del villano en esa escena) y dejando a los multimillonarios en la indigencia, dando el poder al pueblo. Vamos, lo que viene siendo lo más malo del mundo entero. Pero claro, ellos son terroristas, tienen acento y aspecto oriental y por eso sabemos que son muy malos. Muy bien el tema ambigüedad, señor guionista.

En lo referente al reparto repite con Tom Hardy y Joseph Gordon-Levitt, que ya participaran en “Origen”, lo que hace que uno piense en lo bonito que es ser actor y que te den un contrato indefinido como el que tiene Di Caprio con Scorsese o Johnny Depp con Tim Burton… ¡Si es que hasta Cillian Murphy hace un cameo en esta película! Vuelven las inestimables presencias de Gary Oldman, Michael Caine y Morgan Freeman, que llenan la pantalla interpretando al comisario Gordon, al mayordomo Alfred y al creador de batgadgets Lucius Fox respectivamente. Anne Hathaway se estrena con Nolan encarnando a una Catwoman menos felina, más ladrona y menos fiel al original para no eclipsar al protagonista, un Christian Bale impecable como Batman aunque lo inflen y desinflen física y psicológicamente durante todo el metraje. También está el canario de “Lost” haciendo de alcalde de Gotham / Nueva York (hay un momento que se ve un anuncio de Saks Fifth Avenue, no me digan que no es Nueva York).

Y el punto negro en el supervillano, Bane, que sólo llega a ser un luchador de wrestling con más inteligencia que la media y que parece que lidera una revolución y resulta que es una marioneta. Definitivamente el peor de los villanos de las películas con diferencia, y mira que Jim Carrey y Arnold Schwarzenegger hicieron méritos, pero Tom Hardy no tiene siquiera el carisma de estos dos. Y anda que destruir lo que se había logrado en las otras dos películas en este aspecto y desperdiciar el personaje de Bane, que en el cómic revienta literalmente a Batman…

Christopher Nolan ha cocinado una pizza con demasiados ingredientes y demasiado grande, tanto que lo único que le ha quedado hacer cuando estaba terminada ha sido ponerle unas velas de cumpleaños y gritar “¡felicidades!” a ver si cuela.

Título original: The Dark Knight Rises. Director: Christopher Nolan. Guionistas: C. Nolan, Jonathan Nolan y David S. Goyer, según personajes creados por Bob Kane. Intérpretes: Christian Bale, Tom Hardy, Anne Hathaway, Gary Oldman, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt. Distribuidora: Warner Bros.  (EE.UU. 2012)

Entraba a ver la última película de Spiderman con una tira del dibujante Paco Alcázar en la cabeza. Una en la que Peter Parker estaba tumbado en el diván de un psicoanalista preguntándose por qué volvían a hacer una película sobre sus orígenes. A estas alturas, ¿quién no sabe lo de la araña radioactiva / mutante / transgénica que pica al chaval? Muchos podrían decir “eso ya lo he visto”. Pero a los fans de El Hombre Araña somos fieles y joder, si se va a ver una pelea con El Lagarto, uno de los villanos clásicos, ¿qué hago? ¿Protesto contra esa puñetera vuelta al origen y me quedo sin verla? A lo mejor otro tiene ese autocontrol, pero a mí me falta y vuelvo a caer.

Quiero creer que esa decisión de vuelta atrás ha sido tomada para crear el Spiderman de película definitivo y pulir algunos detalles y no por puro sacadineros. Por ejemplo, ahora las telarañas no son biológicas, es decir no salen de dentro de su cuerpo. ¿A quién se le ocurrió traicionar así la historia del Hombre Araña? No sé quien fue, pero espero que esté bien encerrado en las mazmorras de Marvel Comics azotado por eficientes operarios. Peter Parker vuelve a ser ese nerd superdotado que puede crear un aparato para lanzar unas telarañas súper resistentes que se adapta a su brazo y que según este film puede resolver una ecuación complicadísima que trae de cabeza a un científico de carrera. Todo ello sin descuidar su pasión, la fotografía analógica. Tiene mandanga que en una ficción en la que se pueden hibridar especies y crear productos excelentes a partir de elementos animales, este tipo todavía utilice cámaras de carrete. Súper verosímil todo.

www.youtube.com/watch?v=I_9QP2jVers

Eso sí, a Andrew Garfield me lo creo mucho más que a Tobey Maguire, aunque tenga ese aire de “Rebelde sin causa” de instituto enamorando a empollonas rubias macizorras que dicen que tienen 16 años (volvemos a los datos inverosímiles). Lo que antes se hacía siendo el capitán del equipo de fútbol ahora se hace estudiando Biología y obteniendo superpoderes accidentalmente. Y eso hace que todos los nerds se identifiquen con el personaje creado por Stan Lee y Steve Ditko aunque estén bastante más fanegas que Andrew Garfield.

Como resumen, no esperen una gran película de superhéroes, sino un Hombre Araña más fiel al cómic, detalles memorables, como la pelea Lizzard Vs. Spiderman en el instituto (atención al cómico cameo de Stan Lee), Spidey colgando coches del puente de Brooklyn, los obreros de la construcción de Nueva York ayudando a su amigo y vecino para derrotar a los malos y tonterías como el guiño que se hace a nuestra Ministra de Empleo Fátima Báñez, con una araña antropomorfa gigante con su telaraña desplegada en un alcantarillado esperando a su presa, un lagarto con bata de científico, jugando al “Bubble Shooter”.

Un coche escapa a toda velocidad de la policía, está muy cerca de la frontera de los Estados Unidos con México, dentro hay un tipo medio muerto y el conductor (Mel Gibson), ambos acaban de cometer un atraco. De una forma bastante espectacular, el auto termina al otro lado de la valla, por lo que el único superviviente de la persecución es despojado del botín e internado en una “bonita” cárcel mexicana (¿recordáis la tercera temporada de “Prison Break”? Pues tal cual…). Un lugar en el  que si no te buscas la vida eres hombre muerto, y el conductor no tiene ninguna gana de terminar acuchillado en las duchas del lugar. Con determinación se busca la vida, sus dotes de observador lo van a ayudar bastante, pero su existencia en el lugar cambiará en el momento que conozca al pequeño pero espabilado Chico, un chavalín que
vive con su madre en la prisión desde que su padre fue asesinado por el dueño del lugar, Javi. Hay un vínculo que lo une al muchacho, y sabe que tiene sus días contados, a no ser que el Conductor intervenga…

www.youtube.com/watch?v=CGKfF6d8TH8

Uno de los detalles curiosos de esta cinta es que no se ha estrenado en los cines norteamericanos, sino que los que han querido visionarla
han debido pagar en un canal pay per view, por lo que su futuro estreno en nuestro país es todo un misterio. Producida por la compañía de Gibson, Icon, éste ha preferido montárselo en plan Juan Palomo, contando con un realizador al que conoce muy bien, Adrian Grunberg, que fue director de segunda unidad en “Apocalypto” y “Al límite”, así como en un buen listado de películas.

La cinta tiene un ritmo implacable y no se anda por las ramas, va a saco. Gibson se mete en un rol muy parecido -de hecho podría ser el mismo personaje- al del Parker de “Payback”. Un tipo duro, muy duro, pero con su corazoncito. Lo que comienza como un viaje solitario se transforma en una buddy movie, ya que el pequeño Kevin Hernández, que interpreta a Chico se come a Gibson en algunas escenas.
El reparto se completa con una fugaz aparición de Dean Norris, el cuñadísimo de Walter White en “Breaking Bad”; el siempre efica Peter Stomare como la víctima del atraco de Gibson y el mexicano Daniel Jiménez Cacho como Javi, el villano de la función.

Una película divertida (es impagable ver al protagonista hablando en castellano), con momentos de violencia bastante bestias y que recupera a Mel Gibson, un actor y director genial al que echamos mucho de menos en las pantallas, pero cuya actitud y comentarios en la vida real lo han terminado convirtiendo en un auténtico outsider.

Los agentes J y K regresan a las pantallas en la que tal vez sea su misión más arriesgada, al menos para el primero. En un prólogo
bastante bestiajo se nos muestra la fuga del letal criminal intergaláctico Boris La Bestia (aunque él odia que lo llamen así…). Éste tiene una cuenta pendiente con el hombre que lo encerró, que no es otro que el veterano y estoico K (Tommy Lee Jones) y para ello ha elaborado un plan perfecto, que literalmente lo borra de la historia y la memoria de sus compañeros, a excepción del sorprendido J (Will Smith).

Es entonces cuando empieza la parte más divertida de la historia, con un auténtico (ya sabréis por qué) salto temporal que traslada a J a los años sesenta, en los que se encuentra a un K (Josh Brolin) algo diferente, que sigue siendo un tipo duro e implacable, pero en algún lugar de su pecho su corazón late por la bella agente O (Alice Eve).

El pobre J las pasará putas en una época en la que todavía se miraba con desconfianza a los hombres de color, será testigo de la hilarante verdad tras el artista Andy Warhol y deberá salvar a su compañero, a la vez que coloca un dispositivo alienígena que va a proteger nuestro planeta en el futuro. Lo que él no sabe es que hay algo más que lo une al cascarrabias K, y que nos da una nueva perspectiva de su relación…

www.youtube.com/watch?v=wqwmM1-7rSA

Después de la mala, malísima segunda entrega, donde perdieron las riendas de la trama, los guionistas de tercera parte mezclan en su justa
medida el humor que caracteriza la saga (curiosamente, mantienen a Will Smith bastante controlado, sin que se le vaya la olla demasiado…) con una interesante trama de ciencia ficción (los viajes temporales suelen funcionar siempre) así como un twist final que le añade una gotitas de drama a la historia, que por otra parte tiene la duración adecuada, sin sobrar metraje y destacando cómo Josh Brolin se calza la piel de K,
interpretándolo a la perfección con un poquito de prostéticos y mucho arte actoral.

Un par de puntos, se nota que los guionistas y diseñadores de producción se han mirado al personaje de DC Comics, Lobo. El bastardo intergaláctico comparte bastantes rasgos con el letal Boris, uno de ellos (el más llamativo) una pedazo moto con la que recorre las calles de la ciudad. Urbe sesentera en la que parece que nos encontraremos a la vuelta de la esquina a Don Draper, el protagonista de “Mad Men”… Pero eso tal vez sería rizar el rizo demasiado.

El otro es que creo que salvo un milagro, éste va a ser el final de los MIB, ya que se nota que Tommy Lee Jones ha intervenido, brevemente, en la película por un buen cheque o por amistad con su director.