Recuerdo sus showcases hace ya tres ediciones de Monkey Week. Llegaron sin apenas hacer ruido pero salieron como la comidilla del barrio (de la música). Aquello fue el primer aviso del terremoto que estaba por caer. Dos temporadas y un disco -el aplaudido “Trece lunas” (Warner)- después, Fuel Fandango revientan salas y festivales, como el reciente Territorios Sevilla. Y lo hacen mezclando soul con electrónica, rock con quejíos, y hasta blues. Prejuicios cero. Top ten.

: ¿Qué tiene que ver la gasolina con un palo del flamenco?
Nita: La música sin prejuicio que hacemos, una mezcla de cosas que nos gustan, la electrónica con el flamenco, el rock con la música negra. Mezclar las músicas que nos gustan. La palabra “fuel” es la parte más electrónica, más rockera y “fandango” engloba más la música de raíz.

: Habéis conocido al productor de vuestro último disco a través de una campaña de publicidad en la que participasteis junto a Jamie Cullum. ¿Dais mucha importancia a la suerte y al azar?
N.: Yo ahora un montón.
Ale: Eso fue curioso porque vimos a Jamie Cullum hace dos años en el Festival de Jazz de Vitoria y Nita dijo que le encantaría conocerlo.
N.: Te dije que me encantaría cantar con ese hombre y tú me dijiste: “Sí, claro…”. Pues, ¿quién sabe? Y cuando me lo dijeron, pensaba que era cachondeo.
Ale: Luego ya conocimos a Duncan Mills al grabar y a raíz de ahí mantuvimos el contacto y salió lo del disco.

: ¿A dónde queréis llegar?
N.: A donde nos dejen.
A.: Realmente a seguir haciendo discos y conciertos que al final es lo que siempre uno desea, que no sea una moda pasajera.
N.: Que perdure en el tiempo, pero todo está en manos de la gente, por eso digo que donde nos dejen.

: La portada de “Trece Lunas” la ha diseñado Neil Krug. ¿Por qué lo elegisteis? Habladnos un poco de él.
N.: Estaba buscando diseñadores y lo descubrí en un blog. Empecé a ver sus trabajos, aunque algunos ya los conocía, porque me gusta mucho Ladytron, con los que ha trabajado en España, él mismo es un enamorado de España. Contactamos con él y nos dijo que le gustaba mucho el proyecto, había visto nuestras fotografías, nuestro anterior disco y que estaba encantado de hacer el trabajo con nosotros. Ha sido un placer trabajar con alguien tan unido a la música y que no sólo es diseñador, es fotógrafo, dirige vídeos, es un artista que globalmente hace cosas muy originales y cuyo arte nos recuerda a los años 70. Todo el tratamiento que le da a su arte es muy de esa época.

“Nuestro sonido de directo no es limpio, es sucio”

: He leído que os habéis tomado tiempo para no sobreproducir. ¿Hay miedo a lo recargado? ¿Por qué tanto ahínco en ese apartado?
A.: Sobre todo es porque me conozco, soy productor y sé que si estoy mucho tiempo en el estudio, se empiezan a añadir cosas y pueden crear una producción cargada y lo que queremos reflejar es el directo en el disco. Sin decorarlo demasiado.
N.: El miedo no es a sobrecargar. No queríamos que sonara demasiado limpio, que nuestro sonido de directo no es limpio, es sucio: guitarras distorsionadas, la voz fuerte y rota con energía… Y queríamos transportar eso al disco. Porque eso a mi juicio en el anterior disco es lo que nos faltó.

: Mi canción favorita de “Trece Lunas” es “Little Pain”. He visto en la nota de prensa que lo comparan a “Adele cantando los temas más oscuros de Depeche Mode”. ¿Os gusta eso del blues, la electrónica y la oscuridad como redención de las penas y la tristeza?
N.: Nos gusta mucho el blues. Es como el flamenco. Nace del dolor, del sufrimiento, por eso se ha cantado siempre. Se pasaban fatigas, la gente del campo cantaba por eso y así han ido evolucionando las músicas de raíz, que están muy hermanadas. Por ejemplo Raimundo Amador mezcló de manera genial el blues y el flamenco, dos músicas que nacieron del sufrimiento de la clase trabajadora que pasaba penurias.
A.: Aparte “Little Pain” surge de una traducción que hizo un periodista extranjero de los que es el quejío. Queríamos hacer un blues a nuestro estilo y salió así.

: Nita, cantas algunas canciones en inglés y el estribillo en español. ¿En quién te fijaste para ello?
N.: La verdad es que no me he fijado en nadie, pero si hay alguien que me puede inspirar es una cantante que se llama Lhasa De Sela, que la llevo escuchando desde pequeña, es de las pocas personas que hace eso y también en francés. Y sí que me fijé en ella, pero es algo que me sale de forma natural al mezclar el flamenco con la música anglosajona. Ella es de las pocas personas a las que le sale eso muy bien, puede ser al haber estado viviendo de forma casi nómada en muchos sitios. es algo que le da mucha riqueza a las canciones.

: Ale, he escuchado que a todas partes llevas una grabadora para captar sonidos. ¿Eres un fan del sampleo?
A.: Siempre lo he utilizado. El disco empieza así, con algunas grabaciones en mercados de ciudades en las que hemos estado. “Thai” empieza con un ruido de una noria de agua y el sonido que hacían. A raíz de ahí empieza todo el tema, con ese ritmo terciario.
N.: (Dirigiéndose a Ale) A veces me llamabas pesada porque te decía que a ver si averiguabas donde estaba esa noria que vimos porque de ahí quería sacar algo.

“Nos encantaría meter el sonido del arpa en algún tema”

: He visto que metéis el gunzeng porque lo visteis en un concierto de Gorillaz. ¿Hay algún instrumento que siempre habéis querido introducir en vuestros discos y todavía tengáis esa espinita clavada?
A.: Me fliparía poder tocar el arpa.
N.: Es una cosa que me encantaría, cuando veo a Björk tocar el arpa…
A.: El sonido es parecido al gunzeng, nos encantaría meter el sonido del arpa en algún tema, pero no podría, porque hay que estudiar muchos años y no tengo paciencia para ello.

: ¿Cuál es la canción más triste y alegre que habéis escuchado?
A.: De Johnny Cash el “Personal Jesus”, me parece muy triste, me encanta cómo se apropia de la canción, cómo la hace suya. Y alegre cualquiera de Michael Jackson, me parece genial el “Off The Wall”.
N.: A mí la más triste me parece “Hallelujah” de Jeff Buckley. Sé que no es la original, pero me encanta. Y la alegre “Xtatic Truth” de Crystal Fighters

www.youtube.com/watch?v=z0YQW7XUuso

El muy fácil dejarse caer en tiempos en los que las cosas van mal. Lo difícil es sacar los colores en ausencia de la luz, reírse del frío en manga corta, irse al Círculo Polar Ártico cuando necesitas la vitamina D del sol. Ésa es la actitud de Pull My Strings, que tiran de idiosincrasia ártica para hacer un potente cóctel de rock alternativo, indie y hardcore cantado en inglés y que se mide en escala internacional. Pau San Martín, bajista y voz del grupo ejerce de portavoz del grupo en una entrevista en la que me ciño la bufanda. Hablamos con él antes de que el próximo 5 de mayo la banda caliente a la audiencia en el festival SOS 4.8 de Murcia.

: Dora Bay es un pueblo de Alaska dejado de la mano de Dios, frío pero con sol, como símbolo de positividad, ¿si hacéis un disco más oscuro lo titularíais “Barrow”, como el pueblo de “30 días de oscuridad”, ese pueblo de Alaska en el que durante un mes no sale el sol y es invadido por vampiros?
Muy buena pregunta, la verdad es que con “Dora Bay” buscamos un concepto concreto, siempre los extremos. Somos una banda joven y por encima de todo un grupo de amigos, con todas las preocupaciones que eso conlleva. Girar mucho, siempre con prisas, nuestros amigos más cercanos se van a vivir fuera, vivimos en una sociedad que siempre va cambiando… Todo esto es muy alienante para nosotros, así que intentamos plasmar en el disco nuestra actitud frente a la vida. Letras que pueden parecer algo mas melancólicas pero siempre con un regusto dulce al final, acompañadas por melodías suaves y enternecedoras. Así que no descartamos (si las cosas se vuelven más oscuras) titular nuestro nuevo LP “Barrow” . La verdad, nos acabas de dar una gran idea…

: Habéis sido finalistas del Proyecto Demo, sois ganadores de Indomesticables Red Bull 2011 y del concurso Puro Cuatro 2012. ¿Pensáis que sin estos premios hoy estaríais donde os halláis o hubiera sido un camino más tortuoso?
Los premios que hemos ganado forman parte de nuestra historia como banda, por supuesto lo consideramos algo muy positivo a nivel de promoción, pero nunca pensamos en abandonar nuestro rumbo, continuar componiendo y girando. Por otra parte somos de los que piensan que “si la sigues la consigues” y nunca hemos parado, ni pensamos hacerlo de momento. Simplemente estos premios nos sirven para ganar confianza en nosotros mismos y pensar que lo que estamos haciendo puede llegar cada vez a más gente, quizás nuestro objetivo primordial, hacer partícipe a la gente de nuestra música, y que puedan llegar a entenderla y apreciarla.

www.youtube.com/watch?v=qauavuQVeHw

: ¿Influye en el resultado del disco que se haya grabado en verano en lugar de otro momento del año?
En cierta medida sí, estuvimos todo el año anterior sin tener tiempo a parar y a centrarnos en nuevos proyectos. Sacamos un EP en noviembre de 2011 con el objetivo de poder empezar a grabar el LP en estudio en verano. Así que podemos decir que ya teníamos previsto el cómo y el cuándo. Lógicamente en verano es cuando más nos gusta salir a tocar fuera, y sin renunciar a ello, buscamos tiempo para acabar los 11 temas antes de empezar la nueva temporada. La preproducción del disco empezó en abril, así que básicamente cuando entramos en el estudio ya teníamos las cosas muy claras.

: ¿Cómo un grupo español, concretamente de Lleida, y con un solo disco, puede ofrecer dos conciertos en la costa este de Estados Unidos y otros dos más en Canadá?
La iniciativa surgió a traves del Mercat de Música Viva de Vic, donde ya estuvimos actuando a finales de septiembre. Conocimos a uno de los promotores del Canadian Music Week y le encantó nuestro concierto. A partir de ahí, mantuvimos el contacto a través de nuestra promotora y cerramos los bolos en Canadá. El resto de la gira en Estados Unidos la hemos montado aprovechando nuestra visita a Toronto; tenemos muy buenos amigos allí y pensamos que nuestra música puede encajar perfectamente en un mercado tan abierto y tan multi-cultural como el americano.

: ¿Cuál creéis que puede ser el grado de aceptación en esos países para un grupo del sur de Europa que está empezando?
De momento la respuesta está siendo muy buena, diríamos que hasta increíble, la verdad es que existen demasiados clichés para las bandas del sur de Europa, existen bandas francesas, alemanas o suecas que hace ya muchísimos años que cantan en inglés por todo el mundo. ¿Por qué no podemos hacerlo nosotros los españoles? Debemos dejar a un lado los tabús y centrarnos en lo que realmente nos gusta, a nivel de sonido, de armonías y de idioma, la verdad es que estamos muy contentos de mostrar al mundo de lo que somos capaces.

: ¿Qué diferencias hay entre los Pull My Strings del disco… y los del directo?
Bueno, creemos que en nuestros directos siempre existe ese plus de electricidad que le falta al disco, simplemente porqué nos encanta tocar en directo. Tenemos dos conceptos, aunque parecidos, distintos en el sonido. Una cosa es el disco, y la otra muy distinta el directo. Nos encanta bailar sobre el escenario y que la gente se lo pase genial con nosotros. También nos gusta improvisar, tener esa sensación de presión que solo pasa antes de subirte a un escenario, así que a nivel de directos intentamos ofrecer algo mas de lo que pueda sonar en el disco. Un aliciente más para que la gente venga allí donde estemos.

: En la banda sonora de “Afterparty” colaboráis con la canción “A morning without you”, que precisamente no aparece en vuestro disco. ¿Por qué no lo hace?
“A morning without you” pertenece al EP que grabamos a finales de 2011 y es uno de los temas que más nos representan. No está en el disco simplemente porque queriamos poner otras canciones en él, y nos encantaba el tema tal y como estaba, grabado en nuestro estudio y guardándolo tal y como surgió, de manera muy natural y fresca.

www.youtube.com/watch?v=xSt5mvHXYO4

: Para terminar, la cuestión habitual con la que acaban todas estas entrevistas: ¿cuál es la canción más alegre y más triste que habéis escuchado?
Quizás la canción más triste que he escuchado yo es “Hurt” de Johnny Cash, una canción que me transmite muchísimo, y que habla de las cosas que han pasado y ya no volverán. Un poco se parece a nuestra mentalidad respecto a la composición, debemos tocar de pies al suelo y ser realistas. Por otra parte podríamos enumerarte un montón de canciones alegres, porque de hecho la música se crea para ello, ¿que sería de nosotros sin levantarnos un lunes por la mañana con la música a tope?

Yo no existía aún, pero mis mayores me han hablado de que se organizó un mundial de fútbol en España y que las mayores estrellas del deporte rey de la época pasaron por nuestras ciudades. En Sevilla, el centrocampista brasileño Zico dejó 3 goles e impactó a muchos aficionados. Pero Sevilla no sólo es una ciudad futbolera: sus calles han visto pasar también a grandes bandas de pop, y todavía tiene mucho que decir al respecto con grupos que expresan mediante canciones íntimas aquello que no pueden ni quieren ocultar. Guego, líder de un grupo que coge el nombre del llamado Pelé blanco, nos habla de su último disco, “Demonios al sol”, que presentan este abril en Madrid, Granada, Sevilla y Córdoba.

: Respecto a vuestro nombre, ¿no había jugadores españoles destacados en los 80 que tuvisteis que elegir a un brasileño para nombrar al grupo? ¿O es que marcó tu infancia los 3 goles que le hizo el jugador brasileño a Escocia y a Nueva Zelanda en el Benito Villamarín durante el Mundial del 82?
Pues sí que los había, pero el nombre habla más de un concepto nostálgico, y porque sonoramente nos parecía que funcionaba. De todas maneras desde esos goles del mundial, Zico se quedó en el subconsciente de una generación de niños que en esos días andábamos pegados al televisor. Tiene que ver con el recuerdo de momentos agradables de la infancia.

: Tituláis vuestro debut “Demonios al sol”, ¿no teníais bastante con los demonios de la noche y los que se esconden en los armarios y debajo de la cama?
“Demonios al sol” habla de sacar las historias tristes, los malos rollos, los momentos complicados fuera de uno mismo. Habla de un proceso de catarsis donde lo malo se airea y se mezcla con lo bueno de un día luminoso. Nunca se tiene bastante con los demonios, es lo que tienen, aparecen cuando ellos quieren y no cuando los necesitas.

: Por lo que veo en los créditos de Zico, te han acompañado gente con más tablas que el aserradero de “Twin Peaks”. ¿Qué tienes que decir de tus compañeros de viaje?
Bueno, es cierto que es gente experimentada y que saben lo que hacen. Le han dado una consistencia al proyecto que antes no tenía. Todo esto se ha ido fraguando con el tiempo, si bien comenzamos Nadia, Mr Z y yo luego han llegado los refuerzos de Juan Lú y Jaime, dos grandes personas y músicos que han hecho a Zico posible a través de su seguridad y de su buen gusto para esto de las canciones pop.

: ¿Cómo ha sido el proceso de grabación y producción del disco por parte de Fernando Zambruno y José Luis Osuna? Con amigos y en tu tierra, ¿miedo a lo desconocido o es que ellos te conocen mejor que nadie?
Ellos nos conocen, el mismo Zambruno es guitarra del grupo, con lo cual estaba cantado. José Luis llevaba mucho tiempo detrás de este proyecto, quería que saliera adelante y puso todo lo que hay que poner en la grabación. La experiencia ha sido muy positiva y nos encanta trabajar juntos, de momento hay muchas cosas que hacer y seguimos juntos en el camino.

: En las fotos de promoción se te ve en un paisaje de ruinas de viviendas. ¿Metáfora o estética?
Después de caerse, hay que levantarse, después del llanto viene la risa… y tras la tempestad llega la calma. Quizás metáfora estética…

www.youtube.com/watch?v=JboIOQNcYW4

: “70 metros cuadrados” es vuestro primer single. ¿Qué cosas entran en ese espacio?
Esa canción está compuesta en el salón del piso donde vivíamos antes Nadia y yo, el piso medía justo eso. Es un tema que está escrito desde lo íntimo y habla de cosas íntimas, de mundos internos, de ideas que quieren volar y llegar al lugar donde puedan ser felices.

: Sintetizadores, mellotrones y órganos Farfisa, ¿Nadia Santiago ha sido una parte muy importante para imprimir sofisticación al proyecto?
No sólo para imprimir sofisticación, sino que es uno de los pilares principales del grupo, ella participa directamente en la composición de los temas y por eso los pianos también tienen tanta presencia. Las composiciones se hicieron para hacerlas en acústico con piano y guitarras, después la producción ha sido un tema del grupo y de José Luis Osuna.

“En Sevilla siempre ha habido buena escuela, gente que tiene corazón para decir cosas interesantes”

: Pude disfrutar del último concierto de Malahora, en el festival Café Pop, y allí os hice una entrevista para una emisora de radio en la que trabajaba. Esto viene a que personalmente os echo de menos… ¿Zico ha tocado o tocará en directo canciones de Malahora? ¿Qué os queda de aquella época? ¿Hay posible reunión aunque fuera para un pequeño concierto?
No, en principio esa fue otra época, otro grupo y otras canciones. A veces hablamos de reunirnos pero parece más bien conversaciones de barra, aunque estaría bien algún día.

: Ya que llevas tiempo aquí, ¿cómo ves el pop-rock sevillano hoy en día?
Bueno, en Sevilla siempre ha habido buena escuela, ahora mismo hay escena y gente que sigue haciendo cosas interesantes. Y digo gente que no tiene un renombre como otros grupos ya antiguos y que sin duda alguna se han buscado un sitio en la mal llamada escena indie: Pinocho Detective, Midi Puro, Chencho Fernández, los desaparecidos Mañana, no sé, gente que tiene corazón para decir cosas interesantes. Eso no le ha faltado nunca a esta ciudad.

: Y para terminar, una pregunta clásica: ¿cuál es la canción más triste y alegre que has escuchado?
No podría responder a eso, depende de cómo se encuentre uno, soy malísimo para esas preguntas… ¿La canción de “Marco” y la de “Verano Azul“?

www.youtube.com/watch?v=Sfv2uqwtXe0

Desde 2008 acudo como periodista a Trans Musicales de Rennes, alli por Gabacholandia, en Bretaña más exactamente, donde vivo y soy nativo. Cuatro días de orgia –tanto sonora como sexual- digna de los mejores festivales españoles de antaño, gracias a aquellos días de prácticas que pasé en España como becario en FREEk! ¡Ah qué recuerdos! ¿Y qué es Trans Musicales ? Sin duda uno de los mejores festivales de toda Europa, un encuentro sin artistas estrellas pero con grupos de la ostia. Y este 2013 pasaron por allí JC Satan, el grupo más blasfemo de la escena rock alternativa francesa. Un quinteto fichado como la gran promesa del garage, pero que son mucho más que eso. Horas antes de su explosivo directo, nos encontramos con las coristas y el bajista.

: Primero tengo que aclarar algo: tenéis un estilo muy cerca de la estética de Born Bad Records, vivís en la misma ciudad, y incluso sois amigos, entonces ¿por qué cojones no habéis firmado con este sello ?
Je je, claro que es buena pregunta. Pero sí, la verdad es que no hay ninguna relación comercial entre JC Satan y Born Bad Records, aunque salimos en una de sus compilaciones con Yussuf Jerusalem, Zyklon Beach, Scorpion Violente y otros grupos de la escena garage francesa. Sabemos que Born Bad Records es ahora mismo uno de los grandes sellos de rock indie Made in France. A cada salida de disco, JB Guillot (big boss de BBR) nos dice: ‘Me cago en la puta… ¡os quiero en mi sello!’. Si sacamos un disco con él, se llamará  JB Satan seguro… Ja ja…

: ¿El próximo tal vez?
¿Por qué no? Aunque te confieso que para el próximo nos gustaría algo más gordo. Como Matador Records por ejemplo, o un sello parecido…

: ¿Vuestros abuelos saben que tocáis en un grupo llamado JC Satan?
Ja ja ja, los pobres… La respuesta es sí, pero se lo habrán olvidado seguro… Ja ja… El nombre nos salió de broma. Al principio de todo, cuando grabamos el primer tema en la habitación de Arthur, el guitarrista. Nos dijimos: ‘Venga, vamos adelante, a componer ahora’, sin realmente ninguna ambición en hacer un verdadero grupo. Pero poco a poco, tocando de vez en cuando, salió algo bastante bueno. Lo colgamos en Myspace y Facebook bajo el nombre de Satan, y ahí fue donde empezamos a darnos a conocer en la escena.

“Somos un grupo salvaje pero nos gusta tocar en buenas condiciones”

: ¿Personalmente pensáis que JC Satan suena a un grupo actual? ¿O  más bien a reinterpretación de un estilo que oscila entre la psicodelia, el garage y el punk, todo muy clásico?
No intentamos reinventar el estilo, queremos hacer un rock salvaje y suave a la vez. Ahora la única ambición que tenemos es hacer buenos temas, y claro, tenemos influencias apreciables de los grandes clásicos. Somos todos fans de los Beatles por ejemplo, y  además nos inspiramos en la herencia de los 70 en nuestras composiciones. Arthur compone todas las canciones. Intentamos innovar, teniendo en cuenta nuestras personalidades y las influencias que tenemos cada uno.

: ¿Dónde grabastéis vuestro último disco, ‘Faraway Land’?
Este disco es 100% casero. Nuestro sonido evoluciona muy rápidamente, y queremos modificarlo facilmente. Trabajamos únicamente bajo el formato numérico. Las baterías por ejemplo no son verdaderas, utilizamos los ordenadores porque nos permite trabajar más rápido, al ser mucho más productivos. Podríamos llegar a un mejor resultado si trabajáramos de manera tradicional, pero perderíamos la capacidad de reacción y la creatividad que tenemos ahora mismo.

: Antes de ser un grupo de disco, sois claramente un grupo hecho para el escenario.  ¿Cuál sería el sitio más bestia donde hayáis tocado?
Pues sería la sala parisina La Main d’Or, que tiene un ambiente y un espíritu muy cercanos a JC Satan. La sala está super bien equipada, pero al mismo tiempo es muy punk. Somos un grupo salvaje pero nos gusta tocar en buenas condiciones. Al principio, hicimos varias giras europeas en bares, en condiciones de mierda. Desde entonces, nos hemos dado cuenta de que preferíamos tocar en sitios bien equipados desde un punto de vista técnico. Disfrutamos mucho más del concierto y se nota también en el público.

: Igual que su hermano español Monkey Week, Trans Musicales es un festival famoso por tener un público compuesto de muchos profesionales de la industría musical. ¿Pensáis que vuestra actuación aquí realmente pueda incidir en la evolución del grupo?
Nos la suda… No queremos pensar en eso.  ¡Si alguien dice que el grupo suena como una mierda que se joda! De momento, lo único que queremos lograr es que el público se lo pase bien. Pero estamos confiados, porque trabajamos este directo desde hace varios meses, y sabemos que haremos algo guay.

: Pareceis super relajados… y eso que en un par de horas estaréis actuando en un festival como Trans Musicales.
Tenemos un poco de miedo porque tocamos en un teatro donde el público está sentado, ¡pero esperamos que la gente se levante! Es una nueva experiencia, así que estamos contentos. Hace ya dos días que estamos aquí, observando cómo suenan los directos en ese teatro donde vamos a tocar. El público es bastante receptivo… Queremos montar un follón gordo, salvaje y punk a la vez.

www.youtube.com/watch?v=ki_hd1UgOGc

Cuando hace falta escapar, cuando la ciudad te oprime, necesitas la simplicidad. En “Los movimientos”, Abel Hernández, conocico artísticamente como El Hijo, parece expresar eso y no sólo a nivel músical o estético, sino a nivel de la realización del disco, pues se ha autoeditado su nuevo disco tras dos discos y dos EP editados por Acuarela, por necesidad de imprimir un sello personal. Un aura que hemos podido ver por el Sur el pasado 7 de marzo en Sala Cero de Sevilla, el 8 de marzo en Granada en Planta Baja, y el 9 de marzo en Antequera… y que aun podremos disfrutar el 28 de marzo en Murcia en el Festival Microsonidos.

: ¿Por qué la idea de grabar los mismos temas de tu último disco “Los movimientos” de manera alternativa, vueltas a mezclar y mostradas de manera más sencilla en un disco que se llama “El coral”?
Era una de las cosas con las que quería experimentar en este disco: mezclas distintas que dieran lugar a escuchas distintas de la canción y por tanto, en cierta manera, a canciones distintas. Además tenía la impresión de que esa mezcla más vacía, desnuda, elemental, podía explicar mejor el origen de canción, el aspecto de simple tonada con letra, que, con todo el mogollón de producción, podría llegar a pasar desapercibido. Creo que seguiré experimentando. Pienso que un disco se compone de la música ideada pero no menos de cómo suena, de su producción y mezcla. Igual que no es lo mismo un dibujo a lápiz que una fotografía, no es lo mismo la canción con su factura más elemental que con otra, aunque pueda representar lo mismo y puedan resultar igual de válidas.
Dicho esto, para mí el último disco de El Hijo es “Los movimientos” y “El coral” es más como una secuela o precuela, un disco de remezclas o algo así.

: Me gusta mucho la producción entre synthpop y folk del tema “Reina de las rocas” que creo que tiene su correspondencia en la otra cara del vinilo con “Testigo luminoso”. ¿Por qué esa diferencia frente a los demás temas, son una especie de interludio?
Bueno, tendría que pensar un poco esto que dices, porque la verdad es que los veo en el mismo camino (un camino de manga ancha) de producción que el resto. Es verdad que en el disco en general hay un mezcla de synthpop algo ensoñador, folk o rollo acústico, rock de banda a veces más glam y otras más kraut (los sintes vienen también de aquí), otras más 90’s… “Reina de las rocas” me la han comparado con Deerhunter y Atlas Sound, (lo que para mí es un honor) y “Testigo luminoso”, tiene dos partes, una más kraut que llega a tener toques de acid house, incluso y luego algo más rock con toques un poco glam y un crescendo final con algo de shoegazing con varias guitarras abarcando todo el panorama y un coro algo góspel.

: ¿Y que buscaste imprimiendo tanta oscuridad a “Buscando el sol” con la línea de bajo, la batería desnuda, ese órgano tan catedralicio y ese ambiente tan siniestro casi a lo theremin?
Es una canción que empezó siendo una ocurrencia de ensayo, de David T. Ginzo y Xosé Luis Saqués probando algo para otra canción, que para esa no funcionaba pero nos gustó mucho y nos dio capricho que estuviera en el disco. La idea era poner en algún momento 30 -40 segundos de ese bajo-batería quizá con un sinte o un ambiente, en la línea más oscura y kraut de los últimos Portishead… Pero acabé encontrando un órgano y luego una melodía y una letras y dimos con coros… y se convirtió en canción.

www.youtube.com/watch?v=9B7c3QFVFjU

: ¿Primero compones la música y le pones letras o tienes el relato que quieres contar y luego pones la melodía? ¿Cuál es el proceso que utilizas al escribir una canción?
Generalmente tengo la música bastante clara, tonalidad, ritmo, estructura y melodía de voz y luego llega la letra pero algunas veces cuando estoy con la música, ya sé de qué quiero hablar en la canción, aunque aún no tenga las palabras exactas. Lo que es muy raro es que algo que tenga escrito dé lugar a una melodía.

: He visto la inmensa hoja de agradecimientos del disco y escribes: “Este disco lo han hecho posible todas y cada una de las siguientes personas”. ¿Han participado todos ellos de forma activa? Porque vaya tropa que has juntado entonces…
Jajajaja, no, no en el disco hemos estado cuatro músicos (T. Ginzo, Saqués, Monserrat y yo) y luego hacen algunos arreglos Refree y algún amigo más. Lo que mencionas es la lista de la gente que ha co-financiado la fabricación de “Los movimientos”. ¡Son mis productores discográficos!

: ¿Titular una de tus canciones “Stockhausen” ha sido una manera de hacer visible uno de tus referentes?
No. Es un chiste y un mal juego de palabras. Esa canción habla desde un punto de vista algo excéntrico (nunca mejor dicho) de la situación que vivimos en Madrid cuando el 15-M. La segunda parte de la canción se refiere al helicóptero (lo pongo en singular porque fue un símbolo, obviamente fueron más de uno) con que se intentó hacer guerra psicológica a la gente que participaba en las asambleas ciudadanas espontáneas y, tanto o más, a la gente que tenía que aguantarlo (al helicóptero) durante toda la noche (evidentemente uno de los objetivos era provocar la antipatía de la ciudadanía hacia la protesta-propuesta política de la calle). Un día hablando con unos amigos del puto helicóptero (como acabamos llamándolo muchos) comentaron de coña que todo el rato parecía que iba a sonar Stockhausen, refiriéndose a esa composición raruna para cuarteto de cuerda del genio alemán. Y me hizo mucha gracia. Aparte busqué que podía significar en alemán “stock hausen” y en traducción literal era algo así como “vivir en stock”, que es lo que hacemos ahora muchos: somos stock, mercancía intercambiable, capital en manos de sus dueños. Todo se juntó con algo que tenía escrito hace bastante tiempo y dio lugar a la letra y el título de la canción.

“Soy muy urbano, urbanita, noctámbulo, paseante, peatón, barrial…”

: En todo el contenido visual del disco parece que tiene mucha importancia el elemento natural. ¿Buscas alejarte de lo urbano?
No hay algo premeditado pero sí tiene mucho peso. Soy muy urbano, urbanita, noctámbulo, paseante, peatón, barrial, pero en la ciudad hay algo de concentración de tristezas… La naturaleza, de todas formas, funciona en mis letras como algo simbólico de cosas diversas y también como un escenario, casi localización de película para una situación, más que como un lugar o seres reales. Lo natural suele aparecer como lo que esa tristeza no ha tocado, lo puro y también como algo con una capacidad de creación y destrucción gigantescas, completamente fuera de nuestra escala y más de la escala de bits.

: ¿Por qué meterse a la aventura de autoeditar el disco dejando Acuarela Discos y buscar financiación en Verkami? Porque no me creo que ninguna discográfica apostara por tu proyecto.
Había algunas opciones pero llegué a un punto en que lo que me facilitaba un sello no me interesaba, no me compensaba los inconvenientes y viceversa. Entiendo que mi caso, como el de todos, es particular y puede haber muchísimos casos en que sí tenga sentido estar vinculado a un sello. Y hay sellos y sellos, claro.

: ¿Dónde lo gozas más, en el estudio como productor o en el escenario como intérprete?
Bueno, son dos cosas para mí completamente distintas. Disfruto más en el estudio, sin duda, aunque me encanta tocar ante un público y con todo lo que supone de imperfección, error, cambios sobre la marcha o no y esas cosas. El público es esencial para poder hacer la música.

: Háblame de aquellos que te acompañan en esta gira por Levante, Andalucía y Madrid. ¿Como decía la canción de los Beatles: “Con una pequeña ayuda de mis amigos”?
Bueno, en mi caso con mucha ayuda de los amigos. Dependiendo del concierto estarán unos u otros. Ahora mismo El Hijo es modular y se acomoda bastante bien a las condiciones:
En Levante iremos en formato dúo más proyecciones visuales, Nacho R. Piedra y un servidor, con ambientes y ritmos electrónicos y acústica y voz. En Andalucía se nos une Xosé Saqués a la batería, los coros y los ruidillos. En Madrid, en abril, espero que podamos tocar los cinco juntos, o sea sumando las guitarras de Javier Monserrat y el bajo y teclados varios de David T. Ginzo.

“El público es esencial para poder hacer la música”

: ¿Te costó mucho castellanizar las versiones de “Canciones gringas”? Porque el resultado me parece muy natural.
Me costó por lo menos tanto como hacer una canción nueva, sí. Seguramente por eso acabaron funcionando. Es que además de pasar la letra al castellano quise hacer las canciones un poco mías, acercarlas a la manera en que yo las habría grabado si hubieran sido mías en aquel momento. Recuerdo que aprendí y disfruté mucho.

: ¿Qué han dejado en Abel Hernández los grupos que has producido?
Mucho, de verdad. Un autodidacta siempre aprende de los otros. Es estupendo estar tan cerca de otros viendo cómo entienden, hacen, piensan y viven la música, las letras, también la vida. Ser testigo de excepción.

: ¿Cuál es la canción más triste y la más alegre que has escuchado?
Uf, se me da fatal contestar a esta clase de preguntas. Se me acumulan los nombres en la cabeza y entonces empiezo a quedarme en blanco. Es que además me cuesta un poco pensar las canciones en términos de triste/alegre. Muchas veces confundo la emoción con alegría y en realidad me emociona porque es triste y demás. Me dan subidón cosas que a otros le dan bajón y viceversa, creo. En los últimos días “Hellhole Ratrace” del segundo disco de Girls (que en general me encantan) me ha emocionado mucho, hasta el punto de berrearla, pero no sé si es una canción triste o alegre…

Nadie duda de que el amor es uno de los motores fundamentales de la música y del mundo en general. Y este sentimiento es el que ha movido a Patricio B. a autoeditar un disco en dos partes: “Jijí Jajá” y el todavía en proyecto “Trilirí Tralará” con un estilo peculiar que ya esbozaba en su anterior largo, “El Beso” (2010 Warner / Musicquarium). Conversamos con Patricio Barandarian, un tipo que habla al amor sin andarse con chiquitas, nada de susurros.

: En Spotify me salió la primera vez que te escuché como artistas relacionados contigo Paco Cifuentes y Paco Sanz. ¿Qué compartes con ellos aparte de las dos primeras letras de vuestros nombres artísticos?
Yo también me lo pregunto. No sé como aparecen o les aparezco como artista relacionado. A nivel artístico no veo ni siento nada que nos relacione. A título personal con Paco Cifuentes nos une una admiración y amistad real.

: Tus dos últimos proyectos se llaman “Ji, Jí, Ja, Já” y “Trilirí, Tralará”. Aparte en “Habitación 306”, la primera canción de tu último disco también aparecen muchas onomatopeyas, ¿por qué eres tan aficionado a estas expresiones de sonidos?
En el momento que componía la canción sentí que la estructura de la canción eran tres bloques. Por otro lado, siempre intento que en una canción no paren de suceder cosas distintas para mantener la atención del oyente. Encontré en las onomatopeyas una herramienta para sorprender o mantener la atención del que lo escucha.

: ¿Por qué esa idea de editar tu último disco en dos partes?
Lo soñe así en mi cuarto cuando imaginaba mi segundo trabajo “Jijí Jajá” & “Trilirí Tralará”. Así lo soñe y así lo llevé a término.

: Me encanta la portada de “JiJí JaJá”, que es un chino con gafas partiéndose la caja en tres colores. ¿Cómo se os ocurrió? ¿Una mala noche de setas la tiene cualquiera?
(Risas) Es una obra y creación del gran director de arte Iñaki Canosa.

“Me gusta el humor en las canciones de Cole Porter, Boris Vian o Javier Krahe”

: Como tu disco se llama “JiJí JaJá”… ¿Qué piensas de la música humorística? ¿Eres más de Mojinos Escozíos, Emilio el Moro, Riki López u otro no mencionado aquí?
La música humorísitca no me atrae mucho la verdad. Depende del autor supongo, me gusta el humor en las canciones de Cole Porter, Boris Vian o Javier Krahe. Las referencias que me das en tu pregunta no las tengo muy escuchadas la verdad.

: Tu primer disco lo publicaste en una major y con estos dos álbumes te vas a un sello independiente. ¿Por qué estos bandazos editoriales?
El primero “El Beso” (2010), que lo sacó Warner/Musicquarium, iba con una multinacional y con un mecenas. Y este segundo lo he editado yo mismo.

www.youtube.com/watch?v=bKZLTgZDCGY

: Te veo como un cantautor distinto y me recuerdas mucho a Juan Antonio Canta y a Miguel Bocamuerta, ambos cantaban al amor y los dos están tristemente difuntos. ¿Es el amor la causa más grande de desgracias? ¿Por qué esa afición de escuchar música triste en los momentos chungos?
Muchas gracias por el cumplido. Yo creo que hay dos tipos de amor: el amor plomo y el amor corcho. Yo ahora vivo un amor corcho. Me chifla escuchar música triste en momentos chungos, no sé de dónde viene esa afición, supongo que permite profundizar en un sentimiento de una forma muy real.

“Las musas vienen y van. No me gusta hablar de ellas, no me las creo”

: ¿Cuando se está despechado es cuando más te visitan las musas? ¿Alguna vez te han dejado y has podido crear un disco doble con esos sentimientos?
Las musas vienen y van dependiendo del trabajo que le dedique a la creación en sí, al menos en mi caso. Las musas me han dejado muchas veces. Aunque no me gusta hablar de ellas, no me las creo. Creo en el trabajo, la sensibilidad, la experiencia y el conocimiento.

: Empezaste a escribir canciones en francés cuando tenías 14 años para que una chica de Eritrea que te gustaba las comprendiese. ¿Tenemos suerte de que no te hubiera gustado una chica coreana y hubieras sustituido a PSY en las listas de éxitos?
(Risas) Así es, Huda Backet. Comencé a escribir canciones para una chica de Eritrea llamada Huda Backet.

: ¿Cuál es la canción más triste y más alegre que has escuchado?
La más alegre supongo que “Your mother should know”, de The Beatles” y la triste alguna de canto di malavita, musica de la mafia siciliana.

www.youtube.com/watch?v=KXRS_2XGIbg

A estas alturas ya sabrás que Mucho es el grupo surgido de las cenizas de Sunday Drivers y Underwater Tea Party, dos bandas que, sin duda, tuvieron su espacio, su momento y su repercusión en el panorama indie estatal. Este nuevo proyecto se encuentra en un inmejorable estado de forma gracias a la publicación de “El Apocalispsis según Mucho” y aprovechamos la coyuntura para que Miguel de Lucas, bajista de la banda, responda a nuestras preguntas.

: Vuestro nuevo trabajo guarda bastantes similitudes con el primero. Sin embargo, parece haber tenido mucha mejor acogida, ¿a qué crees que se puede deber?
Es evidente que hay parecido entre los dos discos, pero en este último, creemos que hay una evolución. Hemos dado rienda suelta a la música por encima de las estructuras clásicas de “la canción pop”. Hay largas intros y arrastrados finales, además de pasajes instrumentales en mitad de casi todos los temas. Era algo que nos apetecía mucho hacer y que nos daba cierto miedo, pero parece que ha sido bien aceptado y entendido. Igual por eso hemos tenido una acogida más cálida esta vez.

: Habéis vuelto a trabajar con los mismos productores y lo habéis vuelto a hacer en los estudios Blind Records, ¿se terminará convirtiendo esto en una tradición?
Una vez que encuentras algo que funciona (y muy bien, por cierto), es difícil cambiarlo. Santos, Fluren y Ricky nos entienden y comparten los mismos gustos musicales. Además, el estudio tiene algo especial… ah! y no me puedo olvidar del Mabel, un restaurante pequeño a un par de calles de allí, con una comida exquisita de la que somos ultrafanáticos.

: Hace unos años era extraño que un grupo cantase en castellano dentro de la escena independiente española, ¿es posible que ahora esté ocurriendo todo lo contrario?
En mi opinión, hace algunos años que grupos de pop-rock españoles con influencias claramente británicas o americanas como Sidonie, por ejemplo, consiguieron encajar el castellano en su música sin dejar de sonar auténticos y creíbles. Ese es un buen punto de inflexión. Ahora los dos idiomas (o alguno más, como el catalán por ejemplo) conviven en armonía. Nunca nos planteamos cantar en castellano porque estuviese de moda. Ya habíamos tenido grupos en inglés y este nuevo proyecto era un buen momento para intentar con el castellano. Ahora, no cambiamos.

“Nunca nos planteamos cantar en castellano porque estuviese de moda”

: En vuestro sonido hay cierto deje psicodélico, algo no muy habitual en el indie patrio, ¿cómo surgió el incorporar este estilo al pop-rock?
Nos gusta la psicodelia… nos encanta. Simplemente, componemos y tocamos lo que nos gusta, o sea, que al final tienen que aparecer nuestros gustos.

: Se empieza a hablar de la nueva psicodelia. En la escena internacional está siendo muy sonado el éxito de bandas como Tame Impala o Allah-Las, y en nuestro propio país tenemos un claro ejemplo en Lüger.
Pues, ¡qué gusto! porque son grupazos. Si a lo que te refieres es a meternos en ese mismo saco, nos sentiremos muy honrados.

: Con toda la crispación política y social que estamos viviendo estos meses, ¿es posible componer canciones dejando todo esto a un lado o es inevitable que se refleje en las letras todo este malestar?
Es inevitable reflejarlo. Simplemente porque este “estado de malestar” que estamos viviendo, nos afecta y altera personalmente, por lo que al final, se filtra en nuestras composiciones. Pero nos lo hemos tomado desde un punto de vista optimista y regenerador… así somos.

: Si alguna vez os propusieran componer una canción para una campaña política o tocar en un acto de un determinado partido, ¿tendríais claro cómo actuar?
Sí. Ni haríamos esa canción, ni tocaríamos.

“Mucho no tiene nada que ver, musicalmente, con Sunday Drivers”

: La sombra de The Sunday Drivers parece estar aún muy presente siempre que se habla de Mucho, ¿cómo sienta esto en el seno del grupo?
Es normal que, sobre todo al principio, se busquen unas credenciales de los músicos que forman un nuevo grupo. En nuestro caso, además son de un grupo de relativo éxito. Es un pasado del que jamás renegamos, pero no queremos confundir a la gente, Mucho no tiene nada que ver, musicalmente, con Sunday Drivers.

: De un tiempo a esta parte nos están bombardeando con los festivales pero cada vez son más los artistas que dicen sentirse mejor en las salas de toda la vida, ¿dónde se sienten más cómodos tocando los Mucho?
Siempre hemos defendido ambos escenarios. En un festival consigues llegar a mucha más gente, pero pierdes el contacto y la cercanía que tienes con el público en una sala. Cualquiera de los dos sitios son buenos espacios donde tocar.

: ¿Tenéis ya alguna fecha cerrada para los festivales que están por venir durante la primavera y el verano?
De momento estamos sólo confirmados en el Sonorama. A lo largo de estas próximas semana puede que aparezcamos en algún que otro cartel más… ¡estad atentos!

Tres discos y ya han grabado un par de ellos en grandes discográficas. Y con ese nombre no es una chica, es más son cinco hombretones, alguno de ellos incluso con barba. Nada de ambigüedades: han venido a contar sus historias con franqueza y un sonido claro y directo. El 5 de marzo estará en la calle “De Polvo y Flores” (Warner Music Spain) y hablamos con Alberto, cantante del grupo, sobre Max Dingel, el brillante productor del disco, Madonna, Dexter Morgan y otras bestias pardas.

: ¿Nunca os habéis preocupado que alguien que no os conozca, viendo vuestro nombre, crea que es el nombre artístico de una chica en lugar del de un grupo de cinco hombres?
Sí, nos ha pasado algunas veces. O que sea un grupo en el que el cantante sea una chica. Pero llevamos tanto tiempo con este nombre, que ya no nos preocupamos. El nombre es un homenaje. Es una canción de Buenas Noches Rose, el grupo en el que estaban algunos de los miembros de Pereza. Álvaro y Sergio se conocieron allí, en los conciertos y en los foros del grupo, y decidieron montar un grupo y hacer música y le pusieron ese nombre. Luego llegué yo y vi que el nombre era sugerente y me gustó. También mola ese juego con la ambigüedad del nombre, sí.

: Os produjo el disco Max Dingel, que ha trabajado con Goldfrapp, Glasvegas o The Killers. ¿Qué tiene su estilo para qué lo hayáis buscado, qué ha sacado de vosotros y qué le pedíais a él?
Aparte de los grupos para los que ha trabajado como productor y como ingeniero, me gustó el estilo, cómo puede hacer de claro el sonido, que cada cosa esté en su plano, es genial. Pasa mucho con los productores británicos o americanos, aunque él es alemán, es otro concepto de trabajar, otra forma de hacerlo todo.

: ¿Había algún instrumento o cacharro en su estudio que no conocíais y del que ahora sois fans?
No fuimos a su estudio, él se trajo una tonelada de material, literalmente, de cosas suyas. Hemos hecho todo con equipo analógico de los 60 y los 70. Aunque parece que haya muchos sintes y programaciones, casi todo ha sido tocado de forma manual y analógico. Hemos probado muchas cosas diferentes, muchos pedales, algunos incluso los había hecho Max de forma artesanal.

“Hemos hecho todo con equipo analógico de los 60 y los 70. Casi todo ha sido tocado de forma manual”

: ¿Qué pensáis de quienes dicen que esta producción parece más artificial que en anteriores discos?
Es curioso, porque hace poco hablábamos de lo mismo. Hay menos elementos, menos instrumentos que en el anterior disco y está menos producido, en el otro teníamos más programaciones, un mellotron… A lo mejor parece que está más producido porque sonamos más claros, ahora cada cosa está en su plano y suena todo con más claridad. Es como cuando ves cine americano y cine español, cuando escuchas esa claridad del sonido y de todo, es otra forma de hacer las cosas. No quiere decir que esté más producido, con más cosas o más artificial, sino que está hecho de otra manera.

: Habéis pasado de Sony a Warner, ya mismo a este ritmo, con un par de discos más os quedáis sin majors. ¿Por qué ese cambio?
Sony lo único que hizo fue distribuir el disco, nosotros ya lo teníamos editado por nuestra cuenta y ellos solo lo distribuyeron. Nosotros vimos que no creían en nosotros, que no estaban interesados en el proyecto, así que nos parecía absurdo seguir allí. Pasamos a Warner y aquí todo ha sido muy positivo, nos han dejado libertad creativa cien por cien para que creáramos a nuestro aire y nos han dejado hacer lo que quisiéramos. Incluso nos han ayudado a buscar el productor, Max, fue una idea de ellos. Nos sentimos a gusto y valorados.

: Me sonáis mucho a Vetusta Morla, pero ¿cuáles son vuestros referentes a nivel nacional?
Siempre es positivo que se nos compare con un grupo como Vetusta Morla, me gusta mucho la manera en que han llevado su carrera. Escuchamos de todo, somos cinco personas my diferentes. Mucha música americana y nos gusta mucho The New Raemon y Egon Soda, que acaba de sacar nuevo disco.
Algunos son más clásicos como Álvaro con música de los 70, Sergio es más de músicos de la Costa Este, Antonio y Román son más de punk americano y yo soy el más pop de todos. Esta mezcla de gustos es la que hace que Miss Caffeina sea como es.

“Madonna tiene un concepto del espectáculo impresionante, es como David Bowie, Michael Jackson u otros artistas grandísimos”

: Me ha sorprendido un tuit vuestro que habla de la pasada Final de la Superbowl, en la que decís que os quedáis mejor con la del año pasado. ¿Qué pasa que sois fans de los San Francisco 49ers y os ha molestado que perdiesen o es que sois más de Madonna que de Beyoncé?
Totalmente más de Madonna. ¿Sabes lo que pasa? Que como yo escribo el Facebook y el Twitter del grupo, a veces me equivoco en postear en la cuenta personal y en la del grupo, éste es uno de esos casos que es algo personal, ya lo borré, pero ya veo que estáis al tanto. Yo soy súper fan de Madonna a muerte. Tiene un concepto del espectáculo impresionante, es como David Bowie, Michael Jackson u otros artistas grandísimos. Tenemos mucha suerte de tener con vida a gente como ella. Beyoncé lo hace muy bien y es una crack, pero su espectáculo fue menos vistoso, el de Madonna no tuvo ningún corte, y cada canción una temática, fueron trece minutos a saco.

: ¿Qué tenéis en “De Polvo y Flores” que no estaba en anteriores discos?
Un trabajo de preproducción más grande. Hemos pensado más en cada paso. En un sonido que no teníamos hasta ahora. En este queríamos que sonase más parecido al directo. La gente siempre nos comentaba que éramos más contundentes en directo que en el disco, que les sorprendíamos por eso, por la potencia que teníamos. Y ahora lo hemos conseguido.

www.youtube.com/watch?v=u_1wrlIXnFo

: Os matan en el videoclip de “Hielo T”. ¿Os queréis convertir en algo a sí como el Sean Bean de los videoclips musicales?
Puede ser. Pero la cosa fue más del rollo “Dexter”. La idea salió del director, Alberto Van Stokkum, nos lo propuso y nos pareció genial. Y Minerva Portillo está estupenda en su papel de asesina, lo parece totalmente, da miedo. Nos encanta ser los protagonistas de una historia en el videoclip.

: ¿Cuál es la canción más triste y alegre que has escuchado?
La más triste “Communication” de The Cardigans. Dicen que cuando estás triste tienes que escuchar canciones alegres, yo creo que no, que tengo que escuchar canciones tristes para acabar reventado del todo y entonces salir adelante. Y ésta es muy triste. Me parece la más alegre “Los Chicos Hoy Saltarán a la Pista” de La Casa Azul.

Érase una vez en España en la que todos los artistas encontraban discográfica para sus discos y las condiciones de los sellos eran excelentes. No, en serio, ya pasó el Día de los Inocentes y he empezado con una fórmula de cuento, porque la primera frase no era más que ficción. Hoy en día para poder editar un disco, lo ideal para el artista es emprender y reunirse para crear un sello. Es lo que ha hecho Rubén Montesco y unos compañeros de la escena techno de Madrid para poder crear y editar su música libremente. A la felicidad por la electrónica.

: Mi redactor jefe te presentaba en un mail para que te entrevistara como “uno de los principales nombres, sino el principal, de la escena electro en Madrid” ¿Lo consideras correcto? Háblame sobre qué se cuece en la capital respecto a ese sonido.
Lo veo demasiado titulo para mí… (risas). Quizás uno de los productores que representa el sonido electro-techno en Madrid, eso seguro, ya que es un estilo que siempre me acompaña a la hora de producir o en el 100% de mis sets, a pesar de los muchos cambios que ha sufrido la escena en la capital y de las etapas difíciles que en ocasiones nos afectan. En concreto ahora es uno de esos momentos difíciles donde estilos más minoritarios como éste tenga menos oportunidades de poder encontrar su espacio, algo que a día de hoy estamos sufriendo en Madrid, ya que apenas hay propuestas interesantes.

: La primera canción tuya que escuché fue “Space Invaders” y enseguida se me vino a la cabeza Kavinsky, tanto por la referencia a los videojuegos arcade, como por el sonido de la pista. ¿Qué te une con el francés?
A nivel musical, quizás tenemos ese regusto por ese sonido retro, seguramente los arpegios, melodías o líneas de bajo puedan enriquecerse de esa influencia de los 80, del italo o la música disco. Quizás este sea el nexo donde podamos coincidir ya que mis producciones a veces son bastante cañeras, más cercanas al EBM, pero bueno en el caso de mi último Ep “9:33 All Or Nothing”, sin duda esta influencia retroide esta presente en casi todas los temas. En lo personal, hemos compartido cabina en unas cuantas ocasiones.

: En tu sello, Actinium Records, editas a otros artistas afines. ¿Por qué lo creaste, para editar a otros y ya de paso a ti mismo y ser tu propio jefe o porque ningún sello te interesaba o le interesabas?
Pues la idea de tener nuestro propio sello llevaba muchos años en mente, demasiados… (risas), pero bueno, no es hasta cuanto se juntan una serie de circunstancias cuando Actinium finalmente cobra vida. Motivo principal: el panorama tan desolador de la industria. Creo que si nos sentimos identificados con un estilo hay que seguir manteniéndolo vivo, por lo menos es mi punto de vista. También es importante dar la oportunidad a otros artistas de poder editar sus trabajos, ya sabes la unión hace la fuerza… o por lo menos mucho ruido.

“La unión hace la fuerza… o por lo menos mucho ruido”

: Por ahora tu Ep “9.33 All or Nothing” sólo se puede conseguir en digital. ¿Habrá algún formato físico o confías en la venta y promoción sólo a través de internet?
Sí, en breve estaremos planchando en vinilo, aunque el arranque del sello ha sido en digital ya que soy de la idea de que hay que ir poco a poco y dando a conocer el sello sin pegarte el batacazo.

: Actinium Records es nombre de elemento químico y para el diseño de los discos, pones los nombres de los artistas de la misma forma que aparecen los elementos en la tabla periódica. ¿Por qué ese diseño? ¿Eres fan de “Breaking Bad”?
Sí, me gusta bastante “Breaking Bad”… (risas) Pero la idea surgió un día de casualidad en el estudio junto a lo otra parte importante de Actinium el señor Sergio Hervás, preparamos varios diseños, bocetos y nos convenció como imagen del sello.

www.youtube.com/watch?v=NU0l8MbOoZU

: Me ha llamado la atención uno de los artistas de tu sello, Conde Cero, pues también es el nombre de una novela de William Gibson, uno de mis autores de ciencia-ficción favoritos. Defíneme a Conde Cero y ¿qué pides a un artista para ser editado en tu sello?
De Conde Cero te puedo decir que sin duda es una de las promesas de la electrónica patria… Creo que su sonido es genuino al 100%, sus temas tienen alma propia, es un techno inteligente con gusto y estilo, algo que brilla por su ausencia a día de hoy en mucha de la música que escucho. Y sí… (risas) ¡es un gran fan del género y un devorador de libros! Y para formar parte de Actinium no hace falta nada especial, básicamente encajar dentro de la línea del sello y hacer buena música.

: ¿Te parece muy escandaloso que en mi opinión uno de los discos del año sea, y no solo a nivel nacional, “ƒin” de John Talabot?
Para nada, cada uno tiene sus gustos, si para ti lo es, hay que respetarlo. Personalmente no es un disco que yo me compraría, ya que no es mucho mi rollo.

: ¿Sientes que se está demonizando a la música electrónica, y más tras los sucesos del Madrid Arena? ¿Por qué siempre hay opiniones que denostan este tipo de música?
Creo que la escena electrónica siempre esta en el ojo del huracán y basta que pase algo como esto para que intenten terminar con ella, todos sentimos lo que ha pasado, y lo que hay que intentar es mejorar las cosas. Por esta regla de tres, ¿cuántos partidos de futbol tendríamos que prohibir?

“Se han cargado la noche, es una pena pero finalmente se están saliendo con la suya”

: ¿Qué te parece que un artista de fuera de la electrónica critique a esta música, como recientemente ha pasado con Franz Ferdinand y el dubstep?
Sinceramente, una grandísima estupidez, cuántos de estos artistas han criticado en algún momento de sus carreras el género y luego se han hecho sus cameos o versiones de muchos de sus temas. Quizás esa noche le sentara mal cena. (Risas)

: He leído en una entrevista que a ti y a otros artistas os llamaban “Generación Stardust” por la sala madrileña que cerró. ¿Qué te parece la política de Madrid con las salas y qué piensas de esa denominación generacional?
Bueno hemos estado 7 años en Stardust dándole a las noches de Madrid una vuelta de tuerca cada viernes, creo que pocas sesiones han tenido el privilegio de poder dar nombre a una generación, y bueno, nosotros fuimos los Djs. Y de la política qué te voy a decir… Que me parece que se han cargado la noche, es una pena pero finalmente se están saliendo con la suya.

: ¿Piensas con tu sello en ir metiendo cabeza en el mercado alemán o centroeuropeo donde podría tener más cabida una propuesta como la tuya o que poco a poco habrá más gente en España que deguste esos sonidos?
Sin duda se expandirá en el mercado centroeuropeo, que es donde el público sigue y apuesta más por este tipo de estilos.

Para terminar… ¿cuál es la canción más triste y la más alegre que has escuchado?
La más triste, seguramente una que compuse hace unos años “Without transition”. La más alegre “La chevecha” de Los 3 Sudamericanos. (Risas)

Sonido electropical, Game Boys y ponchos mejicanos. Eso es lo que puedes ver en el escenario en los conciertos de Meneo, aunque alguno también dirá que además de eso ha podido ver la chorra de Rigo Pex, penduleando por ahí. Justo antes de que lo diera todo en una fiesta en Sevilla para Oh My Cat pudimos hablar con el irreverente musicólogo chiptunero guatemalteco y algún adjetivo más me falta, que reincidía en las virtudes gimnásticas de su EP “Larele” (Subterfuge, 2012).

: ¿Qué canción de Meneo me recomiendas para pulir la hebilla?
Una que nadie conoce que se llama “La Regla”. La canción es: “te lo dije yo, te lo dije, que te iba a venir, la regla, la regla”. Es muy tonta, pero es una cosa que nos pasa a todo el mundo en algún momento de la relación y básicamente la estética es cumbia con un poco de dubstep y vocoders.

: ¿Cómo fue empezar con el tipo de música que hacías y con un nombre de grupo como Meneo, un título de disco como “Santa Nalga” y con esa portada del álbum?
Simplemente fue una coña entre los colegas, porque era un momento de música minimal y progressive que era muy seria, para ponerse antes de irse a los clubs. Estaba un poco aburrido, porque cuando yo era joven había varias escenas, sitios donde ponían rock toda la noche y había momentos en los que se podía poner hip hop. Me hacía falta regresar a eso. Utilicé el reggaeton como la excusa para que la gente se volviera a mover. Era una coña, le decía a mis amigos que se disfrazaran de negros, que se pusieran almohadas en el culo, fiestas de coña y molonas. Soy musicólogo y empecé a mezclar los ritmos de reggaeton con los sonidos de la Game Boy. Y fue algo muy de broma, porque la Game Boy da un sonido muy retro y quieras o no el ritmo de reggaeton es nuevo, hace 8 años no existía. En Panamá y otros sitios sí, pero aquí nada. Igual te podrían haber dicho que venía de Tailandia y te lo crees. Eso hizo que la gente dijera: “¿Esta mierda qué es?”. No te la puedes tomar en serio, viene perfecto para el rollo del cachondeo. El sonido de los videojuegos está relacionado con lo latino, es muy holístico todo.

“Utilicé el reggaeton como la excusa para que la gente se volviera a mover”

: Tocas con una Game Boy, una consola portátil. ¿Qué te parece el nuevo mando de la Wii-U?
Siempre que hay festivales de movidas con videojuegos veo algo nuevo que hacen con ello. Lo bueno de los controladores es que se pueden controlar muchos filtros o que con el mando de la Wii, si haces un movimiento en zeta suene, yo que sé, como si pateases el culo de una gallina (imita el ruido de una gallina pateada en el culo). Lo que pasa es que es sólo tecnología, no son sonidos definidos, no puedes decir “esto es de la PSVita o de la Wii”.

: Me encanta el vídeo de “Dj Aeróbics”. Como dj amateur que he sido, he seleccionado mis movimientos favoritos y son: el cueing, el grooving y el Chopper. ¿Cuál debo practicar más para petarlo en la cabina?
A mí el que más me gusta es el cueing porque es el más profesional, en el sentido de que es el que más necesitas, independientemente de si eres más tímido y no te gusta moverte en la cabina, éste siempre lo vas a tener que utilizar necesariamente para hacer las mezclas.

www.youtube.com/watch?v=tmK7ZoSWKAc

: Y sin embargo recomiendas no utilizar nunca el movimiento del triggering, y para mí es un auténtico must…
Me quería meter con Jay de los Zombie Kids que siempre hace eso. Entonces es una coña, más que nada que me apetecía hacer un vídeo de músicos para músicos. Si eres dj lo pillas más, porque realmente no hay una pista musical. Podría haber hecho una canción, pero sería en plan: “Todos listos, y uno…”. Pero hacer eso sería algo, no sé, demasiado facilón. La disquera que ha editado el “Tacata”, Blanco y Negro, me llamaron y que hiciera una versión de ese vídeo en plan para que se hiciera una coreografía y dije que no.

: Tú que eres de Guatemala, ¿no te has planteado versionar “Luna de Xelajú” en 8 bits o hacer algo como marimba midi?
Hace como 12 años, hice un proyecto que se llamó “Democracia Sonora”. En esa época era musicólogo, pero no producía, hacía raves y festivales. En esa época se había firmado la paz en Guatemala y había un movimiento cultural muy fuerte. Como la guerra interna había durado 30 años, no había estructura cultural, con galerías, festivales… Estaba todo muy muerto. Pero empezaron a hacer perfomances y exposiciones. Y llegaron muchos curators del exterior a ver qué sacaban del arte de ahí, tengo tres amigos que ganaron, en orden, de 2004 a 2006 ganaron el León de Oro de la Bienal de Venecia. Llegaron a un museo y la obra era que se cosían la boca, o se metían una sobredosis de Valium y se quedaban varios días inconscientes en una burbuja. Eran tiempos en los que nos soltamos, porque hubo mucho silencio forzado. Básicamente el proyecto que hice con ellos fue grabar a la gente que estaba en las calles, a las que te vendía cosas, los que van en los autobuses colgados diciendo los destinos porque la gente no sabe leer y los que venden medicinas, los merolicos lo llaman que van diciendo cosas como: “uña de gato, bálsamo de tigre, sahumerio de…”. Hice una división de los oficios y luego los sampleé y se lo di a la gente que era dj en esa época. Hicimos un disco bastante interesante. Y ahí sampleé una canción de marimba que es “Ferrocarril de los Altos”.

: Ya que Guatemala es el centro de la cultura maya, ¿que te ha parecido la que se lió con el fin del mundo el pasado diciembre?
Yo estuve muy metido en lo del efecto 2000 y hablábamos de los ciclos o el cinturón de fotones. En esa época estaba muy de moda una religión que mezclaba lo maya, con las runas, el I Ching y el Tarot y crearon un movimiento global que se llamaba Las 13 Lunas. Pues a raíz de eso estuvimos investigando y hablando con sacerdotes mayas y la verdad es que ni entre ellos se conocen. Es todo muy secreto, no hay nada escrito. No quieren decir de quién han adquirido esos conocimientos y ni quieren que se aprendan. Así que hubieran sabido algo como eso y lo difundieran era raro.

“Estuve muy metido en lo del efecto 2000 y hablábamos de los ciclos o el cinturón de fotones”

: Hablando de fines del mundo. Si seguimos al pie de la letra la canción “Bomba Atómica China” ¿Vamos a tener que ir estudiando mandarín?
Yo tengo amigos que ya aprendieron, de verdad.

: ¿Está pasando como la canción de Pony Bravo, “China da Miedo”?
¡Qué gran banda! Ellos son de aquí de Sevilla, ¿no? Yo estoy haciendo un remix, pero no para ellos sino, para el otro grupo que tienen, Fiera. Es para una canción que dice: “Tengo drogas, tengo, para aguantar toda la noche.”

: Sonic, Mario, Alex Kidd… ¿cuál es tu personaje de videojuego favorito?
Me gusta mucho Megaman. Y otro personaje que también disparaba desde su puño, pero tenía más libertad de movimientos, el protagonista de “Metroid”.

: “Santa Nalga” fue masterizado por el equipo de Diplo en Mad Decent. ¿Te gustaría que te produjera Diplo, Otto Von Schirach o eres más de Pitbull?
Diplo es genial y me gusta muchísimo Otto Von Schirach, por supuesto. “Salpica” es un temazo. Me encantaba con las canciones breakcore, que eran brutísimas y muy curiosas, hay una que se llama “Granny Foot Powder”, que está hecha a bases de ruidos que parecen pedos. Ahora se ha pasado al lado latino en Miami y me parece maravilloso.

: He visto que tienes muy buen rollo con Marta Fierro, Eme Dj. ¿Tienes pensado hacer un remix o una colaboración con ella?
Más o menos tenemos algo en común para We Are Standard

: ¿Cuál es la canción más triste y la más alegre que has escuchado?
“What I Wonderful World” tiene las dos cosas, no sé. En serio, lo más triste en “Daughter” de Pearl Jam (se pone a cantarla), ah no, no, es más triste “Nothingman”, ese álbum es súper depre. La más alegre es “Mi cucu” de Sonora Dinamita. Es una cumbia que dice: “¡Qué lindo es tu cucu!”