Como malagueño y seguidor de esta banda desde sus inicios, me llena de orgullo y satisfacción poder sentarme frente al reproductor e insertar este DVD que resume la trayectoria de este trío de power-pop guitarrero desde su formación allá por 1998. Es un documento audiovisual que no puede faltar en la estantería de cualquier seguidor de Airbag, ya que se incluyen multitud de anécdotas, además de entrevistas a aquellos que siempre han estado muy cerca del grupo (Pedro Temboury, Juan de Pablos, Novi, Javi PPM, etc.) y ahora han querido contar sus experiencias.

El contenido se puede dividir en tres partes, que están claramente diferenciadas desde el menú. Por un lado tenemos un documental de algo más de una hora de duración, que es el grueso de este artefacto. En él, nos encontramos a los tres protagonistas de esta bonita historia contándonos cómo ha sido todo el proceso, desde sus primeros conciertos en Málaga (donde, por desgracia, nunca gozaron del apoyo que sí encontraron en Madrid), hasta llenar salas tan prestigiosas como Heineken o El Sol. Precisamente por eso han tenido a bien incluir el concierto íntegro de la sala antes conocida como Arena, que vendría a constituir el segundo bloque del DVD. Por último, a modo de extra, nos encontramos con el concierto de Los Nikis, que fueron los teloneros de los esteponeros en la presentación en la capital de “Manual de Montaña Rusa” (2011).

httpv://vimeo.com/61803563

Adolfo, Pepillo y José Andrés se muestran tal y como son, sin adornos ni fanfarronería. No tienen ningún reparo a la hora de recordar sus tiempos acelerados de juventud, aquellos años locos en los que fueron fieles a una filosofía que quedó muy bien plasmada en “Mondo Cretino” (2000), y más tarde alcanzó la perfección en discos como “¿Quién mató a Airbag?” (2005) o “Alto Disco” (2008). A pesar de ello, es evidente que en estos 15 años ha habido una evolución en lo musical, los Airbag de ahora no son aquellos devotos del punk-rock californiano, pero creo que de lo contrario no habrían podido mantenerse y llegar a donde han llegado.

Tras visualizar el documental, me resulta especialmente curioso el análisis que hacen de cada disco, desde su concepción hasta el momento de parirlo y defenderlo en directo. Y no deja de llamarme la atención el hecho de que un trabajo como “Ensamble Cohetes” (2003), que para muchos fue (y sigue siendo) “el disco de Airbag”, fue un auténtico quebradero de cabeza para el grupo, marcó un punto de inflexión que no parecen recordar con especial cariño. La experiencia de abandonar un sello pequeño como Wild Punk para convertirse en la primera apuesta de El Ejército Rojo-BMG, que se antojaba como algo idílico, acabó siendo un destrozo del que tuvo que pasar un tiempo para poder recuperarse.

Y no cabe duda de que salieron fortalecidos de aquello, no hay más que ver la buena acogida que han tenido las publicaciones que han visto la luz tras su vuelta al sello granadino. Se podría decir que la ola perfecta ya la encontraron hace tiempo, ahora lo que están haciendo es mantenerse surfeándola todo lo posible, y eso se traduce en que no les falten conciertos y siempre tengan nuevo material para grabar y hacernos disfrutar a todos con su energía adolescente.

Hace ya cinco años tuve la suerte de coincidir en tiempo y espacio con un mito: Ray Harryhausen. Fue en el Saló del Cómic de Barcelona de 2008. Bendita coincidencia Gracias a esta cabecera pude, además, conversar animadamente con un genio que había hecho historia, sin duda, en el séptimo arte. A él le debemos monstruos increíbles, momentos mágicos y más de un recuerdo imborrable en nuestra memoria cinéfaga. Ayer nos dejaba el hombre, y se queda entre nosotros el mito. Seguro que el maestro, viejo zorro, está echando unos risas en el Olimpo, aquél dorado y tan glam de “Furia de Titanes”, rodeado de aquellos dioses a los que regaló tantas y tantas criaturas. Recuperamos como homenaje aquella entrevista que FREEk! publicara tras nuestro encuentro en Barcelona.

: Volviendo la vista hacia el pasado, ¿cuál es el trabajo por el que siente más orgullo?
Es difícil escoger una de mis obras, porque, claro, el resto se pondrían celosas… Ahora un poco más en serio, probablemente “Jasón y Los Argonautas” o “Furia de Titanes”. Básicamente porque son las dos con las que conté con un presupuesto mayor. En el resto de películas íbamos con un presupuesto muy justo y teníamos que hacer que cada centavo se reflejase en la pantalla, teníamos que saber exactamente cómo los gastábamos. Hoy en día la situación es muy distinta, se gastan millones y millones de dólares a la hora de hacer películas y tienen más posibilidades de llevar a la pantalla lo que tienen en la imaginación. Creo que “Jasón…” es la más redonda, porque incluimos mitos de la mitología griega. No se trata simplemente de una película con monstruo que es lo que habíamos venido haciendo hasta entonces prácticamente, sobre todo, desde mis primeros tiempos en las películas en blanco y negro. Y “Furia de Titanes” porque fue mi última película y es la que tenía más presupuesto y medios para realizar.

www.youtube.com/watch?v=pF_Fi7x93PY

: ¿Sigue haciendo animaciones? ¿A la antigua usanza o utiliza medios digitales?
Hombre, para empezar, a mí lo de vieja usanza no me gusta nada. No porque hayan aparecido los ordenadores o la animación por ordenador quiere decir que nuestro trabajo sea menos válido. Al principio hablaban de nuestro trabajo como animación, como refiriéndose a dibujos animados, con un carácter bidimensional, pero ya nosotros trabajábamos con maquetas tridimensionales. La técnica, el stop motion, sigue siendo igualmente válida, y la verdad es que me gusta recibir cartas todavía de aficionados que me dicen les gusta más la técnica que yo utilizaba en mis películas y que no les acaba de convencer tanto la animación de ahora, esto de los efectos especiales por ordenador, porque les parece demasiado frío. El stop motion tenía un toque diferente que se ajustaba muy bien a las películas de fantasía. Me gusta mucho ver además que la gente se acuerda todavía de mis películas y que otras películas de la época que tenían un presupuesto mayor han caído en el olvido.

: Enlazando con esta respuesta, ¿por qué cree usted que en la mayoría de producciones actuales no existe esa magia que sí había en sus películas?
Yo creo que eso se debe sobre todo a que no están interesados en contar una historia, tal y como yo trabajaba tenía una relación muy estrecha con el guionista y el productor. Los tres éramos los que creábamos nuestra película, no eran películas de director, por lo menos no en el sentido europeo de la expresión. El guionista aprovechaba mis imágenes y trataba de darles una lógica para incluirlo en la historia, para contar alguna historia. Muchas veces se nos criticaba porque, bueno, contábamos historias demasiado sencillas. Para mí lo importante de una película es contar una historia, esa es la razón de ser, no que haya una sucesión de explosiones y de efectos especiales. Por eso, cuando oigo estas críticas digo: “Bueno, no hay porque contar una historia muy compleja, simplemente hay que contar una historia”. No es necesario complicarlo todo demasiado. Nuestras películas tenían quizás un toque semejante a la mitología o a los cuentos de hadas. Lo que también está claro es que cada uno tiene que tener su propio gusto y si hay algo que descubrí con los años es que no puedes satisfacer a todo el mundo. Puede que tú crees una película perfecta y aún así siempre habrá alguien que esté dispuesto a despedazarla.

“Puede que tú crees una película perfecta y aun así siempre habrá alguien que esté dispuesto a despedazarla”

: De entre todos los directores actuales que se dedican al cine fantástico, ¿cuáles son sus favoritos? ¿Con cuáles les gustaría trabajar?
No voy demasiado al cine, no es que vea muchas películas y me llama menos la atención el cine actual porque se olvidan de contar historias. En nuestras películas el director lo único que tenía que hacer era sacar lo mejor de los actores, no se preocupaba y no se tenía que encargar de crear la atmósfera, de dar la ambientación, ni nada por el estilo. Esa era la labor que lograba yo con mis dibujos. Hacía grandes dibujos, grandes ilustraciones del punto álgido de la historia que luego se incluían en el guión, formando parte de éste. Era una técnica distinta a las de las películas normales, o que se suelen llamar normales. La verdad es que me gusta como te decía antes que aún hoy en día perduran en el recuerdo estas películas mientras que otras han caído en el olvido o se han ido por el desagüe.

Hay un libro fantástico, que se publicó hace ya bastantes años y es muy difícil de conseguir, que se llama “Inside Warner Brothers”. Y cuenta como eran los primeros años de estos estudios, narra como normalmente se contrataba a tres, cuatro, guionistas, incluso hasta cinco y sólo uno de ellos aparecía en los títulos de crédito. Al final, todos habían trabajado juntos para desarrollar la historia durante meses y para que esta historia fuera coherente. Hoy en día parecen haberse olvidado de esa idea de la coherencia, muchas veces ni siquiera se explica el porqué de la presencia de un personaje, simplemente aparece en mitad de la historia porque sí y punto. Y nadie tiene claro cuáles son sus motivos. Yo creo que las historias en los años ‘40, ‘50, ‘60… incluso en los años ‘30, estaban mejor pensadas, tenían más sentido y, querían mantener esa coherencia. Mucha gente habla de que esas historias eran demasiado sencillas y yo prefiero eso a lo contrario. Eso está muy bien para los directores de vanguardia, pero no hace falta para contar una historia y nosotros, de hecho, preferíamos no contar este tipo de historias tan enrevesadas, tan oscuras.

www.youtube.com/watch?v=8X7W-oPhY48

: ¿Cómo considera el papel de los fx en el cine actual?
Creo que se basan demasiado en toda una serie de elementos como los que os comentaba antes, ahora aparecen personajes con seis brazos y bueno, también había seres con seis brazos en mis películas, pero tratábamos de darles un carácter lógico, nos inspirábamos en la mitología griega, o en la india. En Shiva, por ejemplo, que tenía seis brazos y tratábamos de que la gente viese como entraban los personajes en la historia y todo fuese un verdadero shock. No se conocía tanto estas mitologías como hoy en día y nosotros tratábamos de descubrirlas en nuestras películas, claro. Hoy en día aparecen criaturas extrañas porque sí, de la nada y yo creo que muchas veces no tiene ni siquiera relación con el tema que se está tratando en la película. Esa es, por lo menos, mi opinión.
He leído en varias ocasiones que quieren hacer un remake de “Furia de Titanes” y quieren hacerlo, según el que va a ser el nuevo director, dándole un toque más realista. No puedes hacer algo así, la mitología griega no es realista, se inspira en la imaginación. Destruirían toda la historia si tratan de ser tan absolutamente realistas. De hecho, es algo que ya intentaron los italianos. En determinada época de su cine, me acuerdo de las películas de Steve Reeves, veías a un tío enorme muy musculado, cachas, muy machote y querían subirle a un caballo y que éste tuviera simplemente alas de metro y medio de cada lado y que con eso nos creyésemos que podía volar. Y claro, veías la imagen y es que no tenía ninguna lógica. La fantasía sólo funciona si es lógica, si es creíble. Todos sabemos que los caballos no vuelan pero si ves a un caballo que tiene alitas de metro y medio, con un tipo enorme que está sentado encima, allí, piensas “es que es imposible que vuele”. Si quieres que el público se lo crea le tienes que dar algo de lógica. Ése es el gran problema de tratar de ser demasiado realista en ese ámbito. Tienes que darte cuenta que unas alas de metro y medio en un caballo y pensar que éste puede volar hace que quede ridículo.

“En nuestras películas teníamos que hacer que cada centavo se reflejase en la pantalla”

: ¿Hay algún personaje digital de las películas de los últimos tiempos que considere su favorito, que le haya fascinado?
La verdad es que no he visto suficientes películas como para poder pronunciarme, me vienen ahora a la mente algunas escenas de “Superman” o de “Spider-Man”, quedan muy espectaculares en la pantalla pero no dejan de tener el toque de tebeo del que proceden… Que adaptes un cómic y que sea salvaje y con imaginación está muy bien porque de eso se trata. Pero yo creo que la actuación en la adaptación a película carece de cierta lógica. Igual que tampoco era lógico, estoy pensando ahora, en una llamada que he recibido de un productor que me decía que quería volver a contar algunas historias de Simbad. La verdad es que me parece una cuestión un tanto extraña, ya que planteaba las películas de este personaje que en un principio tenían un toque algo lascivo, pero al final terminaron por convertirse en películas para todos los públicos, para que los padres llevaran a la familia. Este productor quería hacer una película de Simbad incluyendo escenas del Kamasutra, y yo digo, ¿pero qué sentido tiene meter escenas de sexo en una película que en principio va a ser para niños?

: Steven Spielberg le consultó su opinión sobre los dinosaurios de “Parque Jurásico”, ¿le planteó algún tipo de proyecto?
Me parecen que son absolutamente geniales los dinosaurios de “Parque Jurásico”, el ordenador es una herramienta que puede funcionar bien y los dinosaurios tenían un toque de realismo pero no se basaban únicamente en el ordenador. De hecho, cuando empezaron a experimentar y a jugar con la idea de la película querían utilizar la técnica de stop motion, iba a ser Phil Tippett el que se iba a encargar de llevarla a cabo. Lo que pasa es que después, mientras estaban desarrollando la película, la animación por ordenador se desarrolló muchísimo con el paso de los años y se llegó a convertir casi en un arte. Creo que, de todas formas, le sigue faltando algo. El tipo de películas que se han hecho con el ordenador a veces son más documentales, lo nuestro eran más tirando a melodramas: películas con valles perdidos, llenos de dinosaurios y cosas por el estilo. El tipo de historias que se cuenta es distinta y de todas formas, lo que si quiero es destacar la importancia del ordenador como herramienta, para contar según qué tipo de películas.

: Su amigo el escritor Ray Bradbury le convirtió en un personaje de su novela “Cementerio para lunáticos”, ¿cómo se sintió?
La verdad es que no me importó lo más mínimo, de hecho, me pareció divertido. Me encanta que me haya incluido en la novela. Somos amigos desde 1938 y me pareció, pues eso, de lo más divertido…

Carlos Bardem es un tipo sin complejos, habla claro delante y detrás de los micrófonos. El hermano mayor presume del pequeño y atesora la experiencia y la potencia de unos cromosomas tallados con cincel y martillo dentro y fuera de los escenarios. Conocido por su activismo en redes sociales y perseguido por la prensa rosa, nos habla de su última película, “Alacrán enamorado”, un film basado en una novela escrita por él mismo en 2007, donde destaca el compromiso social y resalta con orgullo la importancia de no rendirse ante la adversidad. Curiosamente, la entrevista tuvo lugar en las oficinas de Alta Films, que acaban de anunciar su más que probable cierre y la película no ha tenido suerte el primer fin de semana en taquilla, pero ya se sabe, no importan las veces que te caigas…

: ¿Creías que algún día “Alacrán enamorado” sería una película?
La verdad es que no, es mi tercera novela, y curiosamente, pese a la tradición cinematográfica que hay en mi familia y mi vertiente profesional como actor, yo cuando escribo lo hago de manera muy literaria, nunca he pensado que mis novelas sean muy adaptables al cine. Fue Álvaro Longoria de Morena Films quien leyó la novela y vio una película en ella, y una vez que se puso en marcha la maquinaria, parece ser que sí. Yo creo que lo que ayudó mucho que se llevará al cine es que hay muy buenos personajes, muy sólidos y en ese sentido al adaptar la novela, Santiago y yo encontramos un camino claro hacia lo que queríamos contar y cómo contarlo. Yo siempre digo que la película no es hija de la novela, son como dos primos muy cercanos, tienen un tremendo aire de familia pero no son iguales. ¿Por qué? Porque el lenguaje cinematográfico requiere unas situaciones y un ritmo que no es el de la novela, en la película hay situaciones que no están en la novela, y por supuesto es imposible condensar una novela de trescientas y pico páginas en noventa minutos de película. Dicho esto, estoy muy contento de la adaptación que hemos conseguido, creo que es muy fiel al alacrán enamorado de la novela.

: ¿Como fue la creación de el guión con Santiago?
Estuvimos casi un año con la adaptación, fue un proceso muy interesante porque nunca había trabajado como guionista, bueno, colaboré en una película muy de autor llamada “Bestiario”… pero esta sería la primera vez seria, y ha sido muy interesante ver personajes que tú has creado a través de los ojos de alguien con muchísimo talento, que es Santiago Zannou. Yo he aprendido mucho de mi novela gracias a esta experiencia. También, por qué no decirlo, los dos somos dos tipos de mucho carácter, a mí me tienes que convencer de lo que tú propones es mejor que lo que yo propongo, me lo tienes que razonar y demostrar y Santiago es igual, entonces hubo momentos muy intensos de trabajo, tormentas de ideas muy poderosas.

: Tengo entendido que ha sido un duro rodaje, entre tanto hombre, testosterona y la inmersión en una historia con un marcado carácter racial…
Realmente es una historia de superación del odio, todos los protagonistas tienen que superar una violencia y un odio, no es una comedia ligera, en ese sentido había una intensidad y el método de trabajo de Santiago es la intensidad. Entonces mantener eso durante dos meses de rodaje, evidentemente había momento que saltaban chispas, había fricciones, pero muchas veces eso ocurría delante de cámara, están filmadas, en la película y le da una verdad a las interpretaciones que es muy interesante.

“La película no es hija de la novela, son como dos primos muy cercanos”

: Supongo que Carlos Bardem tendrá mucho de la filosofía del Alacrán…
Yo la comparto a nivel personal y es muy necesaria en estos momentos en los que vivimos, no importan las veces que te aporreen, incluso en una manifestación o evitando un desahucio, lo importante es seguir levantándote y seguir luchando. Que si te tiran, te levantes para luchar, para cambiar las cosas. “Alacrán…” es una historia de gente que quiere cambiar cosas, que quiere cambiar su situación, gente que sale de una derrota vital muy fuerte y que lucha por cambiar, ése es el gran mensaje de la película, que se debe y que se puede.

: A la hora de contar historias, ¿qué prefieres, ganadores o perdedores?
Aquí hablo como actor a la hora de interpretarlos y como escritor, a mí los ganadores me resultan un coñazo, me parecen aburridísimos, la historia de alguien que siempre vence, que está instalado en el triunfo no me motiva. Solo desde la derrota y desde la rebelión contra la derrota y desde la lucha hay drama, hay historia, es lo único que hace que avance, la intención de alguien que quiera cambiar su estado. Por eso las grandes historias del cine y la literatura son historias de perdedores que no se resignan.

“Las grandes historias del cine y la literatura son historias de perdedores que no se resignan”

: Carlomonte es un caramelo, es un personaje cargado de referencias fílmicas, a mi me recuerda a Mickey Rourke en “El Luchador” o a el entrenador de “Rocky”.
Es una gozada que me comparen con el mejor Mickey Rourke, pero a la hora de escribir sobre Carlomonte y su mundo teníamos muy presente las películas de John Ford. Un cine que nos gusta mucho a los dos, hay una especie de homenaje a ese personaje de John Wayne en “Centauros del Desierto”, hay algo de Houston, de “Fat City”… Intentábamos recrear un poco ese mundo de loser que en el fondo son héroes del gran cine americano.

: Si sale adelante, tengo entendido que tanto tu como Cecilia Gessa, tu actual pareja, vais a participar en un largometraje dirigido por Manuel Velasco, “Bloody West”, que a pesar de contar con caras muy conocidas en el panorama nacional tiene que recurrir al método del crowfunding…
La producción de cine es una actividad económica, y como todas las actividades económicas de este país está en recesión. Toda esta historia que nos venden de que no hay dinero… Claro que hay, no hay infinito, pero si lo sacas de unas actividades productivas para dárselo a unos señores que rescatan bancos, pues claramente no hay dinero para esto. La producción de cine no es ajena a esto, no se ha dotado de unas nuevas reglas de juego y han quitado lo que había, por lo que los mismos productores no saben a lo que atenerse, están en una especia de limbo. Por eso surge el crowfunding, que me parece muy loable porque demuestra la voluntad de los cineastas de este país que seguirá haciendo cine. Afortunadamente hay gente muy creativa que no se resigna a dejar de hacer lo que ama.

“No estoy interesado en política, estoy interesado en ser un ciudadano activo”

: Hablando de industria y tú que has tenido la suerte de conocerla desde dentro, ¿que traerías de Hollywood?
Traería el concepto de industria, me parece muy interesante. A mí me hace mucha gracia que aquí cuando se ataca al cine español y se habla de la subvenciones es muy fácil repetir consignas sin informarse, no hay ningún cine en el mundo más subvencionado que el norteamericano, a través de reducciones fiscales, de incentivos, los propios estados… California dona millones de dólares para tener la industria allí arraigada. En un mundo ideal yo traería ese concepto de industria, que desgraciadamente no termina de cuajar, porque no ayudan a que cuaje. Yo no soy un tipo fan de las subvenciones, entiendo que si tu cine es un cine nacional, pequeño, necesite ayuda, para que no sea todo cine norteamericano, para que lo que haya en las salas no sea solo Spiderman y tipos que vuelan y películas americanas buenas, malas y regulares. Hay que proteger la excepción cultural, en ese caso un modelo de referencia es el francés. Dicho esto, se podría sustituir esto de las subvenciones que tanto se critica por otro tipo de ayudas, desde una ley de mecenazgo realmente atractiva y una fiscalidad favorable a una actividad económica que genera muchos puestos de trabajo y que genere muy buena imagen fuera de España.

: Siempre has estado marcado por un claro carácter político, hemos visto como actores de Hollywood han acabado realizando carrera política… ¿Has pensado alguna vez en dar el salto?
Sí… como Tony Cantó (rie). Yo no tengo ningún interés, vamos a ver, yo soy un ciudadano y me gusta ser un ciudadano. Me gusta tener la libertad de opinar, me gusta opinar, me gusta compartir mis opiniones con gente que piensa como yo o que no piensa como yo, pero no me veo encuadrado en un partido político o por lo menos en un partido político al uso de los que existen hoy en día. Mi modelo de sociedad, de política, no tiene mucho que ver con el que vivimos actualmente. Yo creo más en una democracia real y directa donde los ciudadanos puedan fiscalizar y revocar mandatos gubernamentales, donde la democracia no sea votar una vez cada cuatro años a un señor que puede prometer una serie de cosas y luego incumplirlas todas y no haya manera de fiscalizar eso. La política tiene que ser un contrato entre gobernados y gobernantes y tiene que estar claro que los gobernantes trabajan para la ciudadanía, y si su trabajo no es bueno deben que ser expulsados del gobierno. Entonces, bueno, en esta democracia maravillosa “entre comillas” en la que vivimos, que tiene sus cosas buenas y cosas que no comparto o no entiendo, me parece que es una democracia formal y muy vaciada de contenido. No está dirigida al bien común, sino al bienestar de una élite. Entonces yo no estoy interesado en política, estoy interesado en ser un ciudadano activo de esta sociedad.

: ¿Para cuando “Buziana o el peso del alma” en las grandes pantallas?
La verdad es que ya estamos ahí viendo a ver que pasa, me gustaría muchisimo que fuera mi próximo proyecto.

Santiago Zannou llegó y triunfó con “El truco del manco”. Como todo lo que sube, bajó. A el documental de su padre no le faltó calidad, pero sí espectadores y respaldo industrial. Fue duro, pero como el mejor de los púgiles, vuelve para combatir contra el público y la crítica, esta vez arropado por Morena Films y un reparto artístico en estado de gracia. Responda o no la taquilla, sera difícil acorralar a este alacrán que sigue adelante sin rodeos.

: ¿Qué sentiste al leer la novela?
Lo de la novela fue tremendo. A mí me pasa que he terminado el documental de mi padre y estamos directamente en la ruina los cuatro que la produjimos, no funcionó y estamos entre comillas en una situación de exclusión a nivel cinematográfico. Me llama Carlos Bardem, me dice que ha visto “El truco del manco”, que le ha gustado mucho y que tiene una novela para mí. De pronto me pongo a leer la novela y me quedo totalmente sorprendido, porque aparte de la historia de superación que ya me tocaba mucho, era una serie de cosas que a mí me habían ocurrido, me veía infinitamente reflejado en muchísimas situaciones, no solamente el racismo, la superación, el cambiar de grupo, yo me tuve que marchar de mi ciudad para intentar mejorar… De pronto esa fábula de superación que había escrito Carlos era una fábula que tenía que tener yo en mi propia vida. Le llamé llorando, diciéndole: “Gracias, gracias… mañana me pongo a correr”- porque estaba en un momento vital de autodestrucción vital– “mañana me pongo a escribir, porque me has cambiado la vida, te lo agradezco”. Cuando cierras la novela te dan ganas de apretar los dientes y te dan ganas de tirar hacia delante. Y es lo que tiene que ser esta película, que te levantes de la sala, y digas “la madre que me parió, me voy a comer el mundo con ganas, con mi fuerza y mi energía”.

: Podríamos decir que la situación actual no se diferencia mucho de la descrita por Carlos hace ya años en su novela…
Hay una frase de Camarón de la Isla que dice “Qué culpa tengo yo de ser un visionario”, pues esto es lo mismo. ¿Qué culpa tiene Carlos de haber sido un visionario? Indudablemente la novela que escribió en 2007 hoy en día es infinita actualidad, porque vivimos en una Europa en crisis, en la que cada vez hay más restricciones a las personas. Creo que Europa tiene miedo, está en crisis, la han robado, le ha saqueado y esas personas les echan las culpas a las personas de fuera, se supone que no se puede repartir un pastel y la gente se ha vuelto más egoísta. Ya no solamente es lo de Grecia, que para mí es muy sorprendente que den palizas a los inmigrantes, sino que pasa en Italia, en Belgica, en Francia con Le Pen, en Austria, en Holanda, Dinamarca, Finlandia.. Guau! Al final se están haciendo unas políticas de restricción hacia el inmigrante que Carlos Bardem ya en 2007 sí que fue un visionario y su novela hoy en día es de rigurosa actualidad.

“Creo que Europa tiene miedo, no se puede repartir un pastel y la gente se ha vuelto más egoísta”

: ¿Cómo ha sido la experiencia de rodar con semejante reparto?
Yo siempre pongo ejemplos del deporte, yo decía que el rodaje era como el España-Yugoslavia de 1978, un partido super duro, muy complicado y  muy difícil. No por nosotros, sino por la historia que estábamos contando, obviamente Alejandro estaba inyectado en veneno de alacrán, Miguel Ángel Silvestre lo mismo. Boxeo, palizas, violencia… Entonces eso afecta a la cabeza y les duele, es complicado. Yo he estado constantemente buscando información sobre discursos de racismo, me he visto la historia entera de Ku Klux Klan, del fascismo. Al final teníamos todos una carga de violencia dentro, que obviamente saltan chispas, pero todos han sido suficientemente profesionales para que eso salte delante de la cámara, por eso es una película muy visceral y muy creíble. Pero para llegar a ese punto todos hemos sufrido un poco porque no estábamos contando “Sonrisas y lágrimas”.

: Supongo que habras estado nervioso en algún momento del rodaje…
Negarse a que cuando Javier Bardem entró en el proyecto obviamente tienes el estómago lleno de mariposas… ¡Uno de los mejores actores del mundo! También cuando trabajas con una persona con tanta experiencia, te das cuenta de que en el cine está lleno de personas que ayudan a otras personas, me lo ha puesto fácil, muy sencillo. Como él sabría que yo estaría nervioso, siempre fue muy amable, muy humilde y supo cuál era su papel dentro de esta película, pero para mí todo era un reto, era la primera vez que estaba con un elenco de actores tan potentes. Todo el partido que se presentaba era muy complicado y decir que uno no se ponía nervioso era mentir, pero son unos nervios que te ayudan a ponerte más las pilas.

www.youtube.com/watch?v=fv1Qq2TX6mE

: ¿La preparación ha sido dura?
Una película te quita mucha energía, mucha fuerza, ya cuando hicimos “El truco del manco” todos mis actores iban al gimnasio. Pero encima en esta película como hay violencia y acción, que son 12 horas de un tío subido en el ring, o con bates para pegarle, entonces físicamente tienes que estar a tope. Y con Alejandro no era cuestión de estar mazas, sino definido. Detrás del cuerpo que ha construido hay mucha disciplina, no solamente es ir a hacer pesas o correr, es descansar, comer, es estar mucho tiempo como un samurai.

: ¿Santiago Zannou ha aprendido a vivir sin miedos?
Eso es algo que ya me enseñó Juan Manuel Montilla “El Langui”, que desgraciadamente es una persona que se cae muchas veces… No pasa nada por caerte, lo que tienes que hacer es levantarte y no hay que tener miedo a vivir, hay que tirar para adelante, con el corazón, con consciencia, sin egoísmos… Es lo que hace nuestro personaje, que cambia para ser un buen tipo, que es muy difícil.

“Me encanta la ficción, me encantan las 24 mentiras por segundo”

: ¿Dónde te has sentido más cómodo, en la ficción o en el documental?
Indudablemente en la ficción, lo del documental ha sido algo pasajero, aprendí mucho de los deportistas con el documental de la Selección y lo de mi padre ha sido algo muy personal. A mí me encanta la ficción, me encantan las 24 mentiras por segundo, me la pone a tope, me gusta muchísimo el construir a partir de algo que es ficticio y llevar al espectador a ver algo que le parece verosímil y realista. Nunca se sabe si volveré a hacer un documental, pero lo que tengo en mi cabeza es seguir tirando de la ficción.

: ¿Como ves el panorama cinematográfico?
Todos los jóvenes vivimos desgraciadamente una situación similar, me siento uno más, que tiene que remar, de ser uno más que lo tenemos todo muy difícil, que ha vivido este engaño que nos ha dejado un poco a todos en la estacada… De todas maneras el cine es una montaña rusa. El otro día tuve la suerte de compartir en los Goya la entrega de premios con Enrique Urbizu y hablábamos los dos que él se tiró siete años entre “La vida mancha” y “No habrá paz para los malvados”, que es lo peor que le puede pasar a un director. Entonces al final la situación del cine es complicada para todos y a veces hay directores que se quedan fuera de juego, también lo maravilloso es que el cine recupera muchas cosas. Como hacemos películas me gusta pensar que los buenos ganan y los malos pierden, solo que los malos son a veces tan malos, tan malos… que nos hacen la vida imposible.

: Estarás satisfecho…
Sin dudas, estoy muy satisfecho de los resultado obtenido. La verdad, ha sido un viaje emocional muy fuerte y a su vez muy enriquecedor, todos hemos aprendido algo, todos nos hemos obligado a superarnos, y todos los actores han dejado un poquito de su vida en esta peli. No solamente es la historia, sino que ellos también se han desnudado delante de la cámara, porque una de las maneras de trabajar que yo tengo, creo que es la mejor manera de llegar a los espectadores.

Los hermanos golpean de nuevo, los Bardem siguen sumando puntos para ser nuevas estrellas del rock. Conocedores de lo mejor y lo peor del cine, con “Alacrán enamorado” han exportado el concepto hollywodiense a lo que nosotros llamamos industria audiovisual y se han marcado un producto entretenido y de calidad.

En este caso, el mayor de los Bardem‘s brothers recibió la propuesta por parte de Álvaro Longoria de adaptar al cine la novela escrita por él en 2009. La historia de un neonazi que combate los miedos que le superan en la realidad dentro del ring. El boxeo como canalizador del odio es el recurso utilizado por Santiago A. Zannou para dirigir su segundo largometraje de ficción, tras éxito de “El truco del manco”. En este caso, la experiencia personal del director y el acierto de la novela de Carlos Bardem han encajado a la perfección para crear una historia para aquellos a los que los árboles no le dejen ver el bosque.

www.youtube.com/watch?v=fv1Qq2TX6mE

Reconociendo que el título puede parecer poco sugerente y recordar a la telenovela rancia, “Alacrán enamorado” sorprende al espectador con su acertado ritmo sin artificios y un elenco de actores que se mantiene en plena forma. Quizás las adornadas escenas a cámara lenta pueden llegar a cansar y romper con esa atmósfera a medio camino del cine comercial y el indie. Un guión eficaz, sin sutilezas, rápido como el mismo alacrán, no deja respira al espectador hasta quizás el momento en el que el personaje empieza a redimir sus pecados y se introduce una historia de amor metida con calzador. Pero aun así, llegado el momento y habiendo superado las expectativas iniciales, es demasiado tarde para no dejarse llevar e introducirse en una historia clásica de evolución moral.

Sin sorpresas finales, hay que resaltar el alto nivel de producción, dirección y actuación. En especial, Carlos Bardem realiza la que podría ser la mejor interpretación de su carrera cinematográfica, dando vida a un ex-boxeador acabado, que recuerda al mejor Mickey Rourke de la historia en “The Wrestler”, un luchador nato que, conocedor de su don, se niega a abandonar la corona de un trono ya perdido. Carlomonte es un personaje icónico, de los que gustan con los años. Grande, muy grande. Álex González también se parte el lomo, currándose el cuerpo y la actuación, no creo que le falten oportunidades en los próximos años. Por otro lado, Miguel Ángel Silvestre se quita la careta del Duque de manera definitiva, y Javier Bardem se marca un papel breve pero intenso, una perlita para el lucimiento al que nos tiene acostumbrado. Un elenco del spanish star-system, que recuerda a “American History X”, una obra que huele a “bisness” pero que puede gustar a propios y extraños. Una batalla contra los prejuicios raciales y cinematográficos.

Santiago A. Zannou exorciza sus miedos y da un empujón moral al espectador, llamando a la conciencia colectiva con arte y oficio.

Si te acercas al Teatro Lara de Madrid antes de mayo, podrás disfrutar de “Perversiones sexuales de Chicago”, otra obra sobre las relaciones de pareja y las conductas sexuales entre hombres y mujeres… claro que parida nada más y menos que por David Mamet. Garantía de calidad, querido espectador. En el reparto, Javier Pereira, un actor que de cantar premios gordos de la Lotería saltó a dar el do de pecho en películas como “Heroína” o “Aparecidos” y ahora se mueve como pez en el agua sobre las tablas. Hablamos con él sobre bambalinas, rodajes, próximos estrenos, su regreso a la pequeña pantalla y, cómo no, San Ildefonso.

: ¿Qué se siente al interpretar una de las primeras obras de teatro de Mamet, antes de que escribiera o dirigiera cine?
Es un privilegio poder jugar con esos diálogos tan veloces, realistas e inteligentes. Esta obra la escribió en 1974, y recoge desde entonces la esencia de las relaciones de pareja y de amistad, es un logro que tantos años después consiga que el público se sienta tan identificado con los personajes y con las relaciones de pareja. El texto de Mamet es el culpable de que esté funcionando la obra.

: ¿Qué destacas de la versión que ha hecho Roberto Santiago y qué te parece frente al original?
La obra original consistía en 15 escenas y un epílogo,cla aportación de Roberto fue unirlas e hilarlas de forma coherente, con la que consigue darle mayor agilidad si cabe y mayor fuerza a la historia de amor.

: ¿Las diferencias en conductas sexuales entre hombres y mujeres seguirán pariendo obras culturales durante mucho tiempo? ¿Quedan todavía perspectivas originales sobre el tema?
Las relaciones de pareja dan mucho que hablar, ocupan un gran espacio en todos los ámbitos de nuestra vida, por lo que yo creo que será un tema central por mucho tiempo. No sé si nosotros aportamos algo nuevo o no, lo que sí sé es que intentamos darle la mayor realidad y credibilidad posible para que los espectadores se vean reflejados y así puedan disfrutarla más. La gente sale con una sonrisa en la cara después de haberse estado riendo durante hora y media… y eso en estos tiempos ya merece la pena. Eso es lo que ofrecemos con esta obra.

“Las relaciones de pareja dan mucho que hablar”

: ¿Cómo ha sido el cambio actoral frente a anteriores representaciones? ¿Cómo son Adriana Torrebejarano y Javier Mora frente a Ursula Corberó y Fernando Gil?
Creo que son dos obras diferentes, cambiar al 50% del reparto es un cambio considerable, me cambian de amigo y de novia… En cualquier caso los cuatro son actores con mucha energía y que han dado o están dando mucho a esos personajes.

: Cuéntame cómo es tu personaje y si influye tu propia personalidad en él.
Mi personaje es Danny, un buen chico que conoce a Deborah y se enamora completamente de ella, cree que puede durar para siempre y apuesta por eso… Yo creo que soy mitad racional, mitad pasional, no soy tan loco como Danny que se tira a la piscina sin pensar. No sabría decir qu´w camino es el mejor…

: Tú que alternas teatro y cine, ¿cuáles de las películas escritas o dirigidas por Mamet te hubiera gustado protagonizar?
Me quedaría con “American Buffalo”, creo que representa totalmente el estilo de Mamet, dos o tres personajes encerrados en una tienda, donde lo importante son los textos y los personajes. Esta película también ha sido llevada al teatro varias veces.

: La última película en la que has trabajado, “Anochece en la India”, todavía no se ha estrenado. ¿Qué esperas de este filme?
Es una película muy especial, con un guión maravilloso y con Juan Diego que ha hecho un personaje memorable. Yo creo que nos va a traer muchas cosas buenas. Y “Stockholm”, otra película que tengo por estrenar y que se verá en breve, también va a dar que hablar.

: ¿Hay más ganas de rodar o quieres centrarte en el teatro?
Creo que se pueden compaginar, ahora empiezo en “Gran reserva: el origen”, una serie y seguiremos en el Teatro Lara casi tres meses más con “Perversiones…”. Y del teatro por supuesto no me despegaré, ya me atrapó.

: Has participado en las dos series juveniles españolas más populares de los últimos años, “Nada es para siempre” y “Al salir de clase”. ¿Qué te aportaron y todavía te reconocen por la calle o ha quedado todo olvidado?
Me aportaron muchísimas cosas, tanto profesionales como personales, desde los 17 a los 20 años participé en ambas y fue toda una experiencia. Y aunque no lo creas todavía se acuerdan bastante de esas series y la gente todavía nos lo recuerda, fueron grandes momentos.

“Paco Cabezas es un grande y no solo físicamente”

: En esta santa publicación apreciamos mucho a Paco Cabezas y tú protagonizaste su película “Aparecidos”, ¿qué tal es como director?
Paco es un grande y no solo físicamente, lo tiene todo muy claro, es muy preciso y meticuloso. Rodar tres meses “Aparecidos” por Argentina fue la ostia, mira con qué ópera prima debutó Paco… Dará mucho que hablar en el fututo.

: ¿Te planteas volver a rodar en el género del terror y el cine fantástico?
Claro que me animaría, de hecho me acaba de llegar una historia de este género así que si al final puedo me volveré a embaucar en este estilo tan peculiar y divertido. Además son todo un reto para los actores, poner cara de que estás viendo una niña fantasma volando (como en “Aparecidos”) cuando en realidad no hay nada, tiene su trabajo, transmitir esos nervios, ese miedo, esa inquietud tiene su reto.

: A lo mejor ya estás hasta el ojete de esta pregunta, pero es que nunca he entrevistado a un ex-niño de San Ildefonso. ¿Qué recuerdas de aquello? Como has cantado dos premios gordos seguidos, ¿puedo restregar mis boletos de quiniela contra esta entrevista a ver si pillo algo?
Lo recuerdo con mucho cariño, yo era un niño, 13 y 14 años cuando canté dos gordos seguidos, nos llamaban los niños de la suerte… Pero a mi familia por mucho que me lo pedían no les tocaba, qué se le va a hacer.

Ayer mismo recogía el premio Andaluz del Futuro en la categoría de Cultura de las manos del director de Bankia. Y a Jorge Laplace, ese joven cineasta que un buen día hizo las maletas y se largó a Nueva York con una beca bajo el brazo y las ganas de comerse la Gran Manzana para luego seguir merendándose el mundo del celuloide, no le tembló el pulso al hablar de solidaridad y ética rodeado de autoridades trajeadas. Pueden leer su discurso aquí. Pero Jorge merece ser aplaudido no solo por ser parte representante del futuro del talento andaluz o porque le caigan premios tan merecidos como ése, también debemos rendirle palmas -él, de Jerez de la Frontera, sabe de eso un rato- porque su genio y su pluma andan detrás de obras recientes de nuestra cinematografía más elogiada como “30 años de oscuridad” o “Alfred y Anna”, ese corto de animación que va camino de llevarse todo un señor Goya a casa. Hablamos con el chico de oro antes de que este domingo 17 de febrero sepamos si habrá que volver a aplaudirle.

: En unos días llega tu segundo encontronazo con el señor Goya. ¿Hay nervios o ya se siente uno habituado a las alfombras rojas?
Pues aun me queda mucho para estar habituado a las alfombras rojas la verdad, pero es cierto que esta nominación me la he tomado con mas calma y naturalidad que la anterior. No sé si es que me decepcionaron los canapés de la fiesta del año pasado o si simplemente es verdad eso de que nunca nada es como la primera vez. Sea como sea que el primer largometraje que has escrito compitiera con Isabel Coixet e Isaki Lacuesta fue todo un subidón… y bueno, tener otra peli que compita por el Goya al año siguiente también lo es.

: Ahora es el turno de “Alfred y Anna”. No parece muy habitual conjugar cine de animación y comedia romántica. ¿Crees quizás que ése es uno de los fuertes del corto?
Creo que el corto tiene muchos fuertes. Uno sin duda es la elección de ese género que combina humor y ternura a partes iguales, otro es que se trata de un ejercicio de cine en estado puro. “Alfred & Anna” es una historia contada visualmente, sin necesidad de usar diálogo alguno. Nuestro reto era crear una historia universal capaz de emocionar solo mediante imágenes y música, y bueno, a juzgar por las reacciones del público creo que esto lo hemos conseguido.

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: En “Alfred y Anna” repetís gran parte del equipo tras “Treinta años de oscuridad”. Pero menudo cambio de registro, ¿no? ¿Hacía falta un poco de luz para volver a trabajar juntos?
Je je, pues sí. La luz del amor verdadero y sobre todo la luz de la comedia nos ha ayudado a salir un poco de la oscuridad. Aunque en realidad, si lo piensas, la historia de Manuel Cortés y Juliana Moreno también contiene fuertes elementos de historia de amor, de amor con mayúsculas. Sacrificar 30 años de tu vida para esconder y proteger a una persona es sin duda un acto de amor enorme.

“El corto es un ejercicio de cine en estado puro”

: ¿Y cómo llegaron nombres tan populares como Roque Baños, Andreu Buenafuente o Pastora Soler al proyecto?
El primero en entrar en el proyecto fue Roque. Le presentamos la historia y se enamoró, llegó a emocionarse mucho sólo con ver la animática. En el caso de Andreu, él había trabajado ya con Forma Animada y Pizzel 3d precisamente en una pieza de animación para la gala de Goya y tras la buena experiencia se prestó encantando a colaborar. Pastora y su portentosa voz fueron los últimos en enamorarse de “Alfred y Anna”.

: Hablando de popularidad, el éxito de “Treinta años de oscuridad” fue increíble, y más para una producción así, formalmente arriesgada para nuestro país, aunque ya hubiéramos conocido el éxito de animaciones diferentes como “Waltz with Bashir” o “Persepolis”… ¿Os esperabais tanta repercusión?
Éramos conscientes de que estábamos ofreciendo una obra innovadora en cuanto a formato y sabíamos que la historia de los topos era muy potente, pero nunca podríamos haber imaginado que la película recorrería medio mundo compitiendo por ejemplo con documentales nominados a los Oscar y que participaría en festivales o eventos de tanto renombre como los Goya, San Sebastián o el IDFA holandés, el festival de documentales más prestigioso del mundo.

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: Además de la nominación al Goya, te acaban de nombrar “Andaluz del Futuro” y recogiste ayer mismo el premio de las manos del director de Bankia… ¿no resulta un poco paradójico en estos tiempos que corren que un banco dé un premio a un joven talento? Conociéndote supongo que este premio te enorgullece tanto como te enoja…
Bueno, lo primero decir que efectivamente recibir el premio Andaluces del Futuro en la categoría de Cultura es todo un orgullo. Entre los finalistas había gente con una experiencia y un talento desbordantes y que el jurado te considere merecedor del premio es para estar muy contento. Pero sí, está claro que conjugar los conceptos futuro y banca en estos tiempos es bastante jodido.

“Nueva York es la ciudad de los instantes”

: El sueño de muchos cineastas es dar con sus huesos en Nueva York. Y allí estás tú, con una beca a cuestas y desarrollando un par de guiones en la New York Film Academy. ¿Qué tal los mordiscos a la Gran Manzana?
Los primeros mordiscos son dulces, muy sabrosos. Nueva York es una ciudad increíblemente estimulante para cualquier tipo de creador, es una ciudad joven y vibrante y tiene una energía absolutamente distinta a cualquier otra gran ciudad europea. Nueva York es la ciudad de los instantes. Te educa a cultivar el presente por encima de cualquier otro valor y estoy seguro de que de una u otra forma la ciudad terminará influyendo en mi escritura.

: ¿Y qué puedes adelantarnos de esos dos proyectos, “Grand Canyon” y “Jack’s Splat”?
Pues que seguirán la línea de “30 años de oscuridad” y “Alfred & Anna”; son dos proyectos comerciales en el buen sentido de la palabra, comercial en el sentido de que buscamos al espectador pero sin faltarle al respeto. Ambas son películas de proyección internacional que combinan entretenimiento y espectáculo con una buena historia.

: ¿Volverá el Laplace director en alguno o le has cogido cariño a eso del script y punto?
Volverá , volverá. Para mí dirigir mis propias películas es prioridad, pero es cierto que también disfruto mucho de escribir para los demás. Mi idea a medio plazo es acabar las tres películas con las que estoy ahora y después permitirme el lujo de escribir para mí mismo.

: Para terminar, permíteme contarte una anécdota: recomendé a un colega que viera “Treinta anos de oscuridad”, y cuando le pregunté qué tal, me dijo: “Un poco sangrienta, ¿no? A mí es que el rollo vampiros no me va mucho…”. ¡Imaginarás con cuál se confundió! ¡Pero imagina más su cara! Ja ja ja…
Pues mira, en el fondo “30 años de oscuridad” y “30 días de oscuridad” tienen sus similitudes. Si lo piensas nuestra película tiene muchos elementos de cine de terror. De hecho la nieta de Manuel Cortés decía que su abuelo era como un fantasma encerrado en su hogar y en cuanto a lo de sangrienta… pocas pelis de vampiros son más sangrientas que la Guerra Civil española.

Hay quien tilda las últimas películas de Tarantino de cine reciclado, de coger recortes de películas y hacer la suya propia, de un refrito. A mí me parecen un amoroso homenaje al cine, a las películas que le han hecho crecer a él y con las que nosotros hemos crecido. Cuando veo “Kill Bill” veo aquellas películas de peleas o “de chinos”, como las llamábamos en los años mozos, ésas en las que nos quedábamos mirando asombrados de pequeños y cuando terminaban nos zurrábamos emocionados mi hermano y yo intentando imitar a los protagonistas de la película. Cuando vi “Malditos Bastardos“ recordaba la ambientación grisácea de esos filmes de presos que se escapaban de campos de concentración. Veía esos comandos que hacían para lograr su propósito como en “Doce del patíbulo“ e incluso en “Evasión o Victoria“, veía a Steve McQueen en su Triumph TR6. Y no tenía ni puta idea de lo que era el blaxploitation hasta que no vi “Jackie Brown“

Y cuando vi “Django desencadenado” me acordé de esas tardes en las que me quedaba en casa y veía como mi padre veía películas del Oeste (así las he llamado siempre, me avergonzaría decir western refiriéndome a esas películas delante de mi padre). Y mi padre las ve todas, si es antigua la ve. Y por eso he visto a un tipo que iba a morir ahorcado y de pronto Clint Eastwood corta la soga de un disparo. He visto a francotiradores caer rodando por los tejados de un saloon, a gente que recorría Estados Unidos en un carromato y que comía una lata de frijoles calentada en una hoguera en medio del desierto o a un tipo que arrastraba un ataúd del que sacaba una metralleta y reventaba a un puñado de gente en medio de una calle de esos pueblos de madera. Seguro que a mi padre le encantará ver “Django desencadenado” por todo lo que tiene de reconstrucción y de amor hacia esas películas, no un simple collage. Y eso que a él le cuesta ver películas del Oeste modernas, no traga a Wyatt Earp ni a Maverick, pero lo gozó con los Christian Bale y Russell Crowe de “El tren de las 3:10“. A lo mejor también le choca ver disparar a dos manos arrastrándose por el suelo entre charcos y fuentes de sangre con música rap, pero seguro que le agrada bastante este homenaje.

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La reinterpretación del clásico de Sergio Corbucci de 1966 es evidente: el nombre de la película, los dos protagonistas quieren rescatar a su mujer, la canción principal compuesta por Luis Bacalov e incluso Tarantino invitó a Franco Nero al reparto (curioso cameo como corredor de apuestas italiano en peleas de negros). Pero va más allá con una historia donde el racismo es muy evidente, algo que se escondía mucho en el género (con grandes excepciones como “Mandingo“), con la ridiculización de los racistas (hilarante la escena del Ku Klux Klan con Don Johnson) y cuestionando moralmente a los cazarrecompensas.

Tarantino no quiere revitalizar, modernizar ni hacer un reboot de un género, sino homenajear a todos los que lo han hecho ser quién es. Y si alguien quiere algo original y que nadie ha hecho antes, pues señores, ahí el bueno de Quentin ya dio lecciones con “Reservoir Dogs” y “Pulp Fiction“, un manual de instrucciones sobre la originalidad. Y parece que ya nadie se acuerda que ha sido la punta de lanza de una generación de directores que nos están haciendo gozar en un género tan trillado como el de la acción o que ha sido un genio en la selección de canciones para bandas sonoras, en las que cada película es una sorpresa sobre qué contará con su música. Y no he comentado ni siquiera los impresionantes trabajos interpretativos de Christoph Waltz, Jamie Foxx o Samuel L. Jackson o analizado alguna de las escenas con tal de destripar lo menos posible a aquél que no haya visto todavía la película. Mientras unos disfrutan con todo eso, otros solo ven trabajos de patchwork. Bueno, allá cada uno con su mecanismo.

En 1968 los Beatles viajaron a la India para adentrarse en la disciplina de la meditación trascendental. De allí salió una de las épocas más fecundas de la banda de Liverpool. Cuatro décadas más tarde siguen yendo peregrinos a hacer el mismo camino. El cineasta León Siminiani decidió también recorrer la India en una búsqueda personal, cámara en mano dispuesto a convertir el viaje en un diario, pero el shock cultural, los ritos a la muerte y la soledad convirtieron ese cuaderno de bitácora en “Mapa” (Avalon y Pantalla Partida). Una película arriesgada, valiente, sincera y hecha desde las entrañas, que podrá verse desde el próximo 25 de enero, y que ya es firme candidata a hacerse con un Goya al Mejor Documental.

: Pudimos disfrutar de “Mapa” hace ya unos meses en la sección “Nuevas Olas” de Sevilla Festival de Cine Europeo, donde además se alzó con el Premio al Mejor Documental Europeo (ex-aequo con “Leviathan”). ¿Qué tal la experiencia?
La sección “Nuevas Olas” tiene que ver con nuevas miradas de gente joven, que está arrancando y básicamente todas las películas que la componían eran primer o segundo largometraje. En ese sentido yo tengo una larga trayectoria, pero dentro del corto, y ésta es mi primera película. Temáticamente encajaba bien.

: ¿Qué hay en la India que a todas las personas que andan buscándose les vuelve locos?
India es un sitio que tradicionalmente ha sido una meca de búsqueda espiritual, un país en el que la religión y la dimensión espiritual del hombre está muy presente. Aparte es la cuna del hinduismo, del budismo y el origen de las escuelas de meditación. El los 60 y 70 la meditación sirvió como alivio al estrés del capitalismo y surge una curiosidad hacia la fuente de esto, India. Y empieza una especie de éxodo que es cíclico, ya se ha convertido en algo cultural. India es un país que está cambiando a marchas forzadas y cuando llegas hay un shock muy fuerte porque piensa que toda la gente está meditando y eso no es así para nada. El capitalismo está entrando allí de una manera salvaje, la dimensión de India espiritual está, pero hay que buscarla. Hay un choque entre las expectativas y la realidad, que hay gente que las supera y hay gente que no.

: Este viaje por lo visto fue un cara o cruz con México. ¿Cómo hubiera sido esta película de haberse desarrollado en el país americano?
No lo sé, porque no he ido. En México hay también una tradición de búsqueda espiritual potente con los incas, los mayas, los chamanes. Es una dimensión distinta, la chamánica versus la hinduista. La idea era ponerme en un recorrido de búsqueda de ese tipo. Imagino que habría sido una película más colorista o más picante. Lo que mueve al protagonista es una necesidad de empaparse, de buscar y se puede realizar en cualquier sitio, ya lo decía Pessoa, “para viajar no hace falta salir de tu ciudad”. La voluntad y la necesidad de viajar es lo que te activa.

“Ya lo decía Pessoa, ‘para viajar no hace falta salir de tu ciudad’. La voluntad y la necesidad de viajar es lo que te activa”

: Hay mucho énfasis en los 90 y en su música con Matthew Sweet, Joshua Redman o Underworld. ¿Qué te marcó de esa época y su música?
Es el momento de mi primera juventud, de cuando tenía 20 años. Es el momento cuando más energía tienes, no cuando mejor la dosificas y la administras. Dentro de esa energía de la juventud, la música pop y el rock es una válvula de escape de esas energías, claro que me marcó.

: La voz en off es la tuya propia. ¿no corres el riesgo de que la película sea demasiado íntima?
Ésa es la propuesta, una persona hablando de su vida. Te propongo un vínculo de intimidad contigo, espectador. De ahí que tenga mucho interés al presentar la película en festivales, en ver qué pasa con eso, si llega o no llega al espectador. Sí, tiene ese peligro del que hablas, si es demasiado íntimo o no. Yo confío en que no, llevo tiempo trabajando en esta dirección y bueno, esa es la propuesta, es arriesgada pero yo confío en ella.

www.youtube.com/watch?v=T7xd8iYOtus

: ¿Cómo se vive en un sitio donde la muerte está tan presente en contraste con los países occidentales en los que se trata no pensar en ello?
Yo lo viví como lo cuento en la película, con un impacto muy fuerte, con miedo, con una especie de angustia, como necesidad de salir de aquí. Pero consciente de ello, sostenerlo, seguir ahí, ver qué pasa y como puedo contarlo. Te sacude. En Occidente, en nuestra cultura, la muerte es un tabú y de repente vas a un sitio donde no sólo es que sea pública y se hable de ella, sino que la consideren una liberación. Ellos lo sienten como una parte integrante de la vida. Es un choque tan enorme… pero al mismo tiempo interesante, se vive con angustia, por lo menos yo lo viví así.

“Todos somos un poco esquizofrénicos. Todos tenemos una voz que nos está siempre criticando”

: ¿Por qué incluiste dentro de la película a “el otro”, esa voz interior tuya que te lleva la contraria continuamente, no es un poco esquizofrénico?
Sí, pero creo que todos somos un poco esquizofrénicos. Todos tenemos una voz que nos está siempre criticando: “Lo voy a hacer bien, lo voy a hacer mal, voy a estar brillante o no, voy a seducirla o no” en todas las cuestiones de la vida. La propuesta es: a esa otra voz que todos tenemos, darle vida en la película, hacer de ella un personaje. Es tratar de incluir cosas que son propias de la vida, por lo menos de la mía, en la propia película como contenido y esperar que en esa operación, la gente se pueda relacionar con ella por empatía.

: Parece que es muy importante en la película la arquitectura y la oposición entre el racionalismo y el neoclasicismo. ¿Cómo actúa la arquitectura en “Mapa”?
Me encanta la arquitectura y tenía la voluntad de meterla en la película. Porque para mí un edificio es la máxima expresión de control, es el espacio controlado. Un arquitecto es como un pequeño Dios, puede construir un mundo que contienen esas paredes, completamente él. Como metáfora me parecía interesante, el descontrol que siente el personaje en contraste con esos espacios o universos ordenados que son los edificios. La película se sostiene mucho sobre contrastes de cosas. Y esa especie de caos versus orden yo trato de materializarlo en algo que pueda filmar y en este caso son los edificios.

: Para el que se pierde un poco, ¿qué tipo de película es “Mapa”? ¿Una película de viajes sobre la India, una de romances, un documental, una película de autobúsqueda? ¿Cómo la definirías tú?
Yo creo, sinceramente, que es una película diario, en el sentido de que cubre, cuenta una parte de la vida de una persona. Y cómo todo diario y toda vida de alguien, tiene muchas vetas, muchos tonos distintos, posibles discursos. La película mete muchas cosas, pero se jerarquizan, se ponen al servicio de una historia principal que la narra que es esta historia de amor y desamor. Pero como la vida tiene muchas cosas, la película tiene muchas cosas.

: Cuando estaba viendo la película me recordaba mucho a “Cravan vs Cravan” de Isaki Lacuesta y luego vi que lo incluías en los agradecimientos. ¿Qué le debes a Isaki?
Isaki es amigo personal, me parece un cineasta absolutamente esencial en la nueva generación. Es la punta de lanza, una persona que está abriendo veta en un nuevo tipo de cine. A mí me ha influido mucho, tanto él, como sus películas, pero sobre todo él, su actitud ante al cine, ante la vida, su voluntad de experimentar, de explorar, pero a la vez llegar al público.

: No escuchaba aplausos en el cine desde “Malditos Bastardos” y en el pase de prensa aplaudió la gente. ¿Qué te parece que la prensa aplauda la película? ¿Por qué se están perdiendo los aplausos en el cine?
Que la prensa aplauda en la película, no lo sabía, pero estoy encantado. ¡Qué puedo decir! Y respecto a la segunda pregunta, no sé que decirte. Tenemos carencias de películas hechas desde el corazón frente a hacer películas con vocación personal pensando en el resultado. Creo que puede ser eso, pero es difícil de contestar.